Cuestión de Sensibilidad

Szymanowski (x H-C)

2012-02-10T13:15:00.001+01:00

...

Una cosa no acepto.

Volver a ese lugar.

Renuncio al privilegio

de la presencia.

Te he sobrevivido suficiente

como para recordar desde lejos.

Wislawa Szymborska –Despedida de un paisaje-

Uno de los grandes renovadores de la gran escuela musical polaca a comienzos del siglo XX, miembro del grupo Joven Polonia, fue Karol Szymanowski (1882-1937)

Precoz y dotadísimo compositor, dueño de una personalísima armonía, en cuya obra podemos rastrear diversas y cronológicas influencias: desde una primera etapa, post-romántica, deudora de Wagner y R. Strauss; una segunda fase simbolista e impresionista, influida por Debussy; hasta un retorno a valores nacionalistas basados en un folclore popular. A esta tercera y última fase pertenece su magnífica Sinfonía Concertante para piano y orquesta op. 60, compuesta en 1932 y dedicada a su mentor Artur Rubinstein.

El auge y valoración de la obra del compositor, recordemos los recientes y exitosos montajes de su ópera Krol Roger en el GTL y TR, nos sirve hoy de excusa para presentar una flamante interpretación de su Sinfonía Concertante (27 de enero de 2012 Herkulessaal, Munich) bajo la batuta del granadino Pablo Heras-Casado, más que una promesa de la dirección orquestal española. Tras su afortunada incursión en el podio de la Filarmónica de Berlin, ahora nos llega al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, con Emanuel Ax al piano, en una lectura de impetuosa tensión y briosa dinámica, dejando la piel en cada arista. Escuchemos el segundo de sus tres movimientos:

2. Andante molto sostenuto: un piano ostinato acoge un delicado diálogo melódico entre flauta y viola, el cual, tras unas figuraciones del solista, introduce un solo de violín que encadena un formidable crescendo en el tutti; un clímax que se relaja y evapora en delicados timbres cristalinos, avanzados por la flauta y sonorizados en el marfil:

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(vídeo Barbebleuei)

HWV 18

2012-02-03T15:30:00.002+01:00

La decimoctava ópera de GF Händel tuvo por título TAMERLANO (1724), y fue fruto literario de una adaptación del libreto de CA Piovene sobre la tragedia Tamerlán o La Muerte de Bayaceto de J Pradon. Obra teatral de gran aceptación en el mundo lírico pues son varias las óperas sobre la misma temática:

Il Gran Tamerlano (1706), de A Scarlatti

Il Tamerlano (1711), de F Gasparini

Il Gran Tamerlano (1771), de J Myslivecek

Y podemos añadir el pasticcio Bajazet (1735), de A Vivaldi

Pero nadie mejor que Händel para moverse por esta imposible trama de locos amores cruzados y de míticos emperadores bipolares. Nadie mejor que el genio de Halle para poner en la voz del Senesino el fundamental papel de Andronico, o elevar a la tesitura de tenor al emperador otomano Bayaceto, consiguiendo, siglos después, que el ecléctico Domingo se sintiese atraído por el rol. Nadie mejor, efectivamente, que este formidable dramaturgo musical para navegar en un océano de dudas y malentendidos, con escenas de gran fuerza emocional, aromas exóticos y variedad de afectos:

Acto I: presentación

Melancolía en el aria de Asteria S’ei non mi vuol amar:

(vídeo tenar41146)

Acto II: nudo

Pena en el aria de Andronico Cerco in vano:

(vídeo sosarme1)

Acto III: desenlace

Dulzura, valor y consuelo en el dúo de amantes, Andronico y Asteria, Vivo in te, mio caro bene:

(vídeo tenar41146)

Nancy Argenta, Asteria

Michael Chance, Andronico

English Baroque Soloists

Sir John Elliot Gardiner

KrautRock

2012-01-28T10:16:00.003+01:00

(Alemania, un siglo después de Schumann)

Con ese despectivo nombre denominaron los británicos a la fértil e imaginativa escena rock de principios de los setenta, en la conocida por entonces como República Federal de Alemania; nosotros no íbamos más allá de llamarle Rock Alemán. La gran influencia anglosajona, incluso cantaban en inglés, cosechaba los primeros frutos autóctonos de la juventud post-Reich, y lo hacía a lo grande, cualitativa y cuantitativamente.

Pese a la amplitud de propuestas, además de la coincidencia en tiempo y espacio, se pueden rastrear en muchos de los grupos influencias comunes, explícitas o no, que van desde Stockhausen hasta la cultura psicodélica post-hippie, pasando por la Velvet Underground, el free-jazz, las vanguardias clásicas o el etnicismo sonoro más exótico, para dar un impulso potente y mucho lustre al Rock Progresivo con fuerte dosis de experimentación.

Por motivos didácticos, siempre erróneos y de líneas difusas, distinguiría una línea o escuela Planeadora o Cósmica, basada en sintetizadores, muy atmosférica, liderada por grupos de la talla de los nebulosos Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, los industriales Kraftwerk o los místicos Popol Vuh (autores de bandas sonoras de algunos de los mejores films de Werner Herzog, Nosferatu, Aguirre, Fitzcarraldo) Su legado provocó la explosión de la música electrónica, el Ambient y la New Age.

Por otro carril, paralelo, una tendencia más rock, potentemente rítmica y mucho más interesante para mi gusto, de algún modo seminal para la aparición del punk; su origen puede encontrarse en el grupo NEU! y los representantes más destacados para quien suscribe son:

AMON DÜÜL II: nacidos artísticamente en la comuna Amon Düül de Munich, supusieron la evolución dospuntocero, o sea profesional, de la faceta musical de dicho enclave artístico, alejados de veleidades políticas. Con el multiinstrumentista C. Karrer (guitarra, violín, saxos, voz) al frente y una vocalista con ínfulas líricas Renate Knaup, el grupo fue enormemente libre en su aspecto creativo; de amplia paleta instrumental se movían a sus anchas en las largas improvisaciones saturadas de toda la variedad de influencias imaginables. Para valorarlos escuchemos dos ejemplos de su magnífico segundo y doble álbum YETI (1970):

Sandoz in the Rain: improvisación de aromas exóticos entre flauta y violín.

(vídeo krautfranz)

No se engañen con el ejemplo anterior, también tenían su lado salvaje:

Arcangels Thunderbird: potentes riffs de ambiente siniestro

(vídeo estepedeamigos)

CAN: (Comunismo, Anarquismo, Nihilismo) posiblemente los mejores, mucho más creativos e imaginativos, su influencia llega hasta nuestros días entre los grupos más rompedores, en especial en la propuesta world music. Con una formación muy sólida de miembros provenientes de distintas escuelas musicales: clásica, jazz, rock, y un vocalista japonés en sus mejores tiempos, construyeron auténticos rascacielos sonoros basados en un concepto rítmico muy rico e inteligente, gracias a una base rítmica brutal Czukai/Liebezeit (bajo/batería), en un ambiente psicodélico. Con el tiempo fueron derivando hacia propuestas más atmosféricas, pero todavía disfrutamos de su doble elepé TAGO MAGO (1971)

Oh Yeah: un tema que comienza en viaje cósmico para terminar en una danza tribal

(vídeo KERAKAO)

Y de su fenomenal EGE BAMYASI (1972)

One More Night: un perfecto tema cánido.

(vídeo GilmoursAngst)

Adagio espressivo (y romántico)

2012-01-21T10:12:00.006+01:00

No he podido evitarlo. Una semana más sigo atrapado por Robert Schumann, un compositor que desde fundamentos clásicos encarna el paradigma romántico, en vida y obra, e incluso mira hacia el futuro, hacia la modernidad, con atrevimiento y lucidez.

Y así, pensando, valorando, llego a su Sinfonía en Do mayor (en C de Clara) op 61. Estamos en Dresde en 1845, donde Schumann está saliendo de su primera gran crisis, con fuerza y determinación. Una música de convalecencia, en cuyo cuarto y último movimiento el músico afirma “sentirse renacer”

Esta su segunda Sinfonía, en realidad la tercera en ser compuesta, si bien se asienta en estructuras clásicas, con guiños evidentes a Beethoven (especialmente en los movimientos extremos) su alma y carácter giran en torno a su fenomenal Adagio. Un movimiento portentoso, bellísimo, de una intensidad descomunal, y un tema melódico que hace realidad el concepto del gran Tema al que hace referencia Eugenio Trías.

Este Adagio espressivo es hondamente romántico, apelativo, cautivador por la melancolía serena de su melodía principal que es presentada en las cuerdas y que toma color en la madera del oboe. Y en cuyo desarrollo, dulcemente fluido, alcanza en dos ocasiones el clímax tensional con una intensidad casi religiosa de los violines, dejando hueco, en medio, para un delicado fugato, homenaje al gran Bach.

Escuchemos este tercer movimiento en la siempre irresistible cuerda de la Filarmónica de Viena dirigida en esta ocasión por Leonard Bernstein:

(vídeo Barbebleuei)

Uno de los adagios sinfónicos más excitantemente hermosos...

momentos Schumann

2012-01-13T19:31:00.002+01:00

Existen momentos en los cuales
Los humores del corazón
Inundan las sinapsis neuronales
Impulsando averías eléctricas
Que apagan nuestro raciocinio
.
En el oscuro clímax, las tensiones
Son liberadas por rebosamiento
En las compuertas lacrimales
Creando gotitas saladas
Elegantes y luminosas
.
Con molicie y vanidad
Descienden los pómulos
Para acogerse tras la comisura
Y fertilizar el paladar blando,
En re menor
.
En su efímero trayecto
Van reiniciando el sistema
Dejando un vestigio de felicidad
En la piel del corazón
Y un rastro de demencia en los ojos
.
Esos son los momentos Schumann
Robert Schumman y su piano, moderno
El Colapso fundido a negro
La Locura y el Deseo
La Electricidad y la Sal
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Robert Schumann: Fantasía en Do op17 -tercer tiempo- Lento sostenuto
“Todos los sonidos que resuenan
en el multicolor sueño de la Tierra,
contienen un sonido muy suave
para quien lo escuche secretamente.”
(Friedrich Schlegel)
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(video violim)
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por favor, no se las sequen…

Zemlinsky (y VIII): "KLEIDER machen LEUTE"

2012-01-07T10:50:00.003+01:00

Terminamos la revisión del opus lírico de Zemlinsky con su ópera cómica Kleider machen Leute (traducido libremente como El hábito hace al Monje), cuya primera versión en tres actos fue completada en 1909; la segunda, en dos actos y un prólogo, fue concluida y estrenada en 1910 en la Volksoper de Viena, siendo revisada en 1922.

El libreto de Leo Feld está basado en la exitosa novela de Gottfried Keller, fechada en 1874 que cosechó parabienes del mismísimo Hofmannsthal quien glosó su limpieza narrativa y su hechura clásica.

La obra recoge el equilibrio del teatro mozartiano y la elegancia vienesa finisecular, en el estilo del Rosenkavalier straussiano. Sin llegar al nivel de la obra maestra de Richard Strauss, Zemlinsky permanece fiel a su extraordinario refinamiento orquestal, de escritura compacta, maestra en armonía y de amplio despliegue melódico; partitura rica en ritmo vivo y en melodía conmovedora.

La elegancia en el tratamiento de las escenas corales, el rigor constructivo, la suavidad narrativa, el fluido discurso, la perfección en las partes, aportan el clasicismo mozartiano que late detrás de la cuarta ópera de Zemlinsky.

El prólogo nos presenta al joven aprendiz de sastre Wenzel Strapinski dirigiéndose a la vecina ciudad de Goldach en busca de trabajo, vestido como un gran caballero. Se abre el Acto primero tras un evocador interludio:

Un misterioro cochero le conduce al hotel Zur Wage donde es recibido como un gran señor, más aún cuando, en pleno juego de equívocos, llega a ser presentado como Duque. Allí conoce a Nettchen, hija del magistrado de la ciudad, enamorándose inmediatamente ambos jóvenes. La confusión y los malentendidos continúan hasta que el antiguo pretendiente de la joven, Melcher Boehni desenmascara al aprendiz. Éste huye de la ciudad para no decepcionar a su novia, pero es seguido y rescatado por Nettchen, quien conoce su situación, y valora su bonhomía. Finalmente ambos jóvenes se casan, abriendo una sastrería de éxito que con el tiempo trasladarán a Golbach...

Strapinski... Hermann Winkler
Nettchen... Edith Mathis
Coro y Orquesta de la Ópera de Zurich
Ralf Weikert
Pabellón Secesión Viena -JM Olbrich-
(vídeos Barbebleuei)
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Sensacional Zemlinsky, Formidable Viena de entresiglos...

Pet Sounds

2012-01-01T11:00:00.004+01:00

Cuenta Brian Wilson, alma compositora de los Beach Boys, que la publicación del álbum Rubber Soul de los Beatles, a finales de 1965, le supuso todo un revulsivo en la forma de abordar la nueva obra del grupo californiano. No solo por el tratamiento y belleza de las armonías vocales sino también por la concepción del disco como obra completa e íntegra.

Tras unos meses de febril actividad compositiva e interpretativa vio la luz Pet Sounds (1966), lo nuevo de los Chicos de la Playa; pensado y realizado como obra cumbre del pop. Así sucedió en realidad, pues los reyes, The Beatles, se vieron obligados a trabajar duro para superarse a sí mismos con su Sgt. Pepper's.

Los Beach Boys siempre han sido un grupo eminentemente vocal, los príncipes del falsetto (los reyes fueron los Bee Gees discotequeros), deudores de unas armonizaciones vocales provenientes del jazz. Para esta nueva obra, Wilson tomó la decisión de ir más allá, de superar el estatus conservador y frívolo del grupo, para alumbrar un sonido con aura, con ligera y audaz instrumentación, y de melodías introspectivas y sofisticadas, donde anidaban la más delicada expresión de sentimientos, dudas y pensamientos.

God Only Knows: la canción pop más bella jamás compuesta, según McCartney; instrumentación de alto nivel:

(vídeo Alixx2)

Caroline, No: la preferida de Wilson:

(vídeo MarkvBob)

Don’t Talk (put your head on my shoulders): el latir del corazón; no hables, pon tu cabeza en mi hombro:

(vídeo Unknown360DD)

Suena a toda una época... pero es hermoso. El próximo año nos anuncian la reaparición de los Beach Boys, y nos prometen la continuación del Pet Sounds...

¡FELIZ AÑO NUEVO!

Otra Navidad con Él

2011-12-25T08:00:00.035+01:00

«He dicho que Dios le debe todo a Bach. Sin Bach, Dios sería un personaje de tercera clase. La música de Bach es la única razón para pensar que el Universo no es un desastre total. Con Bach todo es profundo, real, nada es fingido. El compositor nos inspira sentimientos que no nos puede dar la literatura, porque Bach no tiene nada que ver con el lenguaje. El sonido lo es todo. Bach compromete la idea de la nada en el otro mundo. Sin Bach yo sería un perfecto nihilista.»

Émile M. Cioran

Aunque para JS Bach, y para muchos otros, la Música no está obligatoriamente ligada a eventos precisos, pues es más bien un estado anímico, un sentimiento, no cabe duda de que el nacimiento de un niño siempre supone un motivo de celebración y alegría (salvo para Cioran) que puede convertirse en Música; más aún si el recién llegado viene, al menos para algunos, con una mayúscula en su primera letra.
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Así el gran Bach, profundo creyente, destinó un conjunto de Seis Cantatas para las celebraciones litúrgicas asociadas al nacimiento del hijo del dios cristiano; conocidas desde el XIX como Oratorio de Navidad BWV 248

Aunque de sobra conocido, y abundantemente representado en este Castillo, no quisiera dejar pasar esta nueva ocasión para sumergirnos en esa galaxia musical aprovechando una reciente interpretación en Dresde: un enclave señero del renacer en la conjunción de Música, Arquitectura y Naturaleza. En la Frauenkirche, símbolo de la capital sajona, el excelente nuevo director titular Christian Thielemann dirige a la maravillosa Sächsische Staatskapelle Dresden asumiendo el desafío de una interpretación moderna de la obra bachiana; acompañan el Coro de la Frauenkirche y cuatro solistas competentes.
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No se prodigan estas lecturas con orquestas que no sean de instrumentación original, y menos con criterios alejados de los cánones (nunca mejor dicho) historicistas. Más difícil aún resulta salir airoso del esfuerzo. Eso lo consigue Thielemann con su mensaje de poderío y solidez, en unas descomunales dinámicas y una pulsión arrebatadora, aún con querencias románticas, , delante de una orquesta con mayúsculas en todas sus letras, dotada de cuerdas radiantes y metales gloriosos, que espejean la enjundia de una música sin límites, interminable, infinita...
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Escuchemos la llamada de los timbales a las jubilosas trompetas del Coro que abre la Navidad “Jauchzet, Frohlocket, Auf, Preiset die Tage”, tomado del Concierto de Dresde, con fantásticos planos de la Frauenkirche:

(vídeo meinhardo)
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Bach, Cioran y Dresde en el mismo post,

esta vez creo que he ido demasiado lejos...

Es igua, la Cultura es salvación,

y éstas son Fiestas para la FELICIDAD

esa misma que les deseo a todos.

La Haffner: más que un divertimento

2011-12-17T10:40:00.008+01:00

Los Haffner y los Mozart mantenían una larga amistad familiar, por lo que no resulta extraño que, siendo burgomaestre de Salzburgo Siegmund Haffner, encargase al veinteañero WA Mozart una composición de circunstancias con motivo de la boda de su hija Elisabeth.

Para la víspera del evento nupcial, 21 de julio de 1776, Wolfgang, honrado por el encargo y ávido de reconocimiento, quiso presentar una composición monumental, la Serenata Haffner en re mayor KV 250: una cuasi sinfonía para orquesta con un regalo sorpresa en su interior, un Concierto para violín en tres movimientos.

Una obra donde un Mozart juvenil, vigoroso, lozano, eleva el estilo galante a altas cotas de elegancia y clase, destacando la propia instrumentación, y los colores y sentimientos que en ella conviven. Una de sus primeras cimas orquestales, que nos permite intuir su próxima evolución vienesa, hacia la genialidad.

Años más tarde vería la luz la Sinfonía Haffner KV 385 compuesta también para honrar a S. Haffner con motivo de su elevación a la nobleza.

De los ocho movimientos de la partitura, cinco pertenecenen a la Serenata propiamente dicha, comenzando por el que abre la composición: I. Allegro Maestoso – Allegro molto: cuyo comienzo rítmico y triunfal introduce los dos temas, plenos de vigor juvenil y aire festivo, destacando el segundo de ellos por su aire juguetón en las cuerdas agudas.

(vídeo 581983141)
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El segundo movimiento II. Andante, corresponde al primero del Concierto para violín en sol mayor intercalado, que se introduce con un tierno tema del solista que se irá desarrollando con gran belleza en una atmósfera de ensoñación:

(vídeo paolopacc)
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El final VIII. Adagio – Allegro assai, aparece sorpresivamente en un adagio sutil y suplicante, hasta que los violines dan rienda suelta al allegro con un primer tema extrovertido que encadena el siguiente, mucho más matizado y de colores turbios. Una giga, cuyas modulaciones construyen el desarrollo, convierte el movimiento en una fiesta y la obra en una celebración...

(vídeo cmlwhcl)

Saludable...

Katerina Lvovna

2011-12-09T12:20:00.003+01:00

Cartel Lady Macbeth del Teatro Real 2011

“Bésame hasta lastimarme los labios,

bésame hasta que la sangre me golpee las sienes,

hasta que se caigan los iconos del altar”

Sexo y violencia. Amor y sangre. ¿Componentes suficientes para triunfar? Hoy en día, sí. Pero hay muchos más matices en este cuadro de época: egoísmo, desesperación, soledad, celos, sumisión, lascivia: Pasión.

Pasiones irrefrenables en un entorno de brutalidad, tal es el contexto en el que se mueve un ser humano: una mujer en soledad, fuerte y débil a la vez. El amor llevado al crimen por el único personaje íntegro de la historia, rodeada de monigotes: un suegro libidinoso y cruel, un marido pusilánime, un amante egoísta, un cura borrachín, un sargento envidioso. Una sociedad grotesca que convierte la autodestrucción más escalofriante en una forma de vida.

Esta es la Lady Macbeth del Distrito de Mtsenks, Katerina Lvovna Ismailova, según relata la novela homónima (1865) de Nicolai Leskov, que fue recogida por Dmitri Shostakovich para su gran ópera de 1932.

Obra que, tras su éxito inicial, sería fulminada, al igual que el compositor, por la jerarquía estalinista en su particular caza de brujas buscando su propio Arte degenerado (o burgués, o apolítico) demostrando, una vez más, la todavía vigente máxima de la censura “desprecia cuanto ignora”. Sería en 1958 cuando, reivindicado ya el compositor, éste estrenase una versión revisada de la obra: Katerina Ismailova. Rostropovich en 1978 halló la partitura original, la preferida de Dmitri, registrando en EMI junto a su mujer, la soprano Galina Vishnevskaya, la primera Lady Macbeth: la verdadera, la laminada.

Para una historia tan candente, Shostakovich acertó a insuflarle una música sin concesiones, enfocando la visión de una tragedia satírica con toda su carga de griterío y neurosis (Pravda dixit). Toda la obra se balancea en un desesperado verismo sui generis, el más brutal expresionismo orquestal como un collage abrumador, un bufo retrato de la sociedad de la época, salpicado de los pasajes más variados y hermosos de lirismo, ternura, melancolía, desesperación, entre explosivas disonancias de metales.

Escuchemos el desesperanzado canto a la orfandad de amor, a la necesidad de caricias de Katerina, en la memorable interpretación de la Vishnevskaya, plena de oficio, arte y entrega:

Y en la mejor tradición rusa, el coro con bajo solista; los convictos camino de la muerte. Crimen y castigo. Consuelo:

(vídeos Barbebleue)

Otro acierto del Teatro Real; y van tres…

La Escena Canterbury

2011-12-03T11:10:00.007+01:00

El Sonido Canterbury o Escena (como prefiero denominarlo) hace alusión a una eclosión de grupos (Caravan, Soft Machine, Camel, Hatfield and the North,... y posteriores derivadas) con inquietudes musicales similares, que surgieron hacia finales de los sesenta en torno a la ciudad de Canterbury, Kent, al sudeste de Inglaterra. Nació como una suerte de fusión rock-jazz con fuerte componente de psicodelia y rock progresivo.

SOFT MACHINE fue, a gusto de quien escribe, el punto álgido y desarrollado de ese ambiente sonoro. Formado en torno a un iluminado australiano de nombre Daevid Allen, quien luego emigraría a Francia para fundar una de las bandas más frikis de la historia: Gong.

A medida que Mike Ratledge, teclista de formación clásica, se fue haciendo con el devenir estilístico del grupo, fue depurando la formación (incluida la base rítmica original, Hugh Hopper y Robert Wyatt) y fue derivando el sonido original hacia una suerte de jazz-rock vanguardista, de intensa improvisación y atmósferas casi cinematográficas, abandonando definitivamente toda aportación vocal, profesionalizando la banda y alejándose de cualquier veleidad comercial.
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A partir de la sexta entrega discográfica del grupo, entró en la formación el multiinstrumentista Karl Jenkins, proveniente también de ambientes musicales cultos, y generador, con posterioridad del proyecto Adiemus, quien relanzaría la carrera de la banda hacia sus más altas cotas: Soft Machine Six y Soft Machine Seven.

El sonido de la banda se purificaba completamente, basándose en ritmos muy marcados, sincopados, obstinados (batería y bajo eléctrico), sobre el que se trenzaba el tejido sonoro de los teclados de Ratledge (piano acústico y eléctrico, órgano) a modo de segundo ritmo o textura, sobre la que evolucionaban los vientos de Jenkins (saxos barítono, tenor, soprano, oboe, flauta...) o una segunda capa de teclados.

De su mejor época les propongo dos temas: “Chloe and the Pirates” evocador tema del doble elepé Six (1973) :

(vídeo TheSelectorsOriginal)

Del Seven (1973): “Penny Hitch” paradigma del sonido de la banda:

(vídeo alici00)

L’Inquietudine e Il Sospetto

2011-11-26T10:30:00.004+01:00

Antonio Vivaldi añadía a su profunda querencia teatral, un temperamento apasionado y fogoso. Esta feliz simbiosis dotaba a su música, dentro de una solo aparente sencillez, de un brillante reflejo de los estados anímicos más variados; con sensualidad y pasión esculpía las sensaciones más seductoras.

Como virtuoso del violín encontró, en sus aproximadamente 240 conciertos para este instrumento, uno de sus medios expresivos más adecuados a su fenomenal capacidad; impulsando hacia la modernidad la concertación del violín solista, primus inter pares, con el tutti. Veamos dos ejemplos elocuentes:

L’Inquietudine RV 234 Concierto para violín, cuerda y continuo en Re mayor, donde nos habla de desesperación, angustia, inseguridad y opresión, en el despliegue espectacular de técnica violinística plagada de saltos, ataques de arco, velocidad, fogosidad, ... Carmignola y Sonatori de la Gioiosa Marca

(vídeo TheGravicembalo)

Il Sospetto RV 199 Concierto para violín, cuerda y continuo en do menor: sutilmente nos hace rondar la sospecha entre el tema melódico de los primeros violines y el ritmo ostinato de los segundos, cuajado de contrastes y de un cromatismo refinado e inasible. Onofri y la Academia Montis Regali

(vídeo macdonald59)

Yo no sé a ustedes pero a mi el fulgor diamantino de la música del prete rosso siempre me adelanta la primavera...

Invierno en Mallorca (1838)

2011-11-19T08:50:00.002+01:00

Fryderyk Chopin, quebrantado por la enfermedad, reconfortado por el amor de Aurore Dudevant, abrigado por su querido piano Pleyel, terminó, durante su retiro invernal en Valldemossa, sus Veinticuatro Preludios opus 28

Chopin ES el piano.

Un piano de estirpe clasicista, hijo de Mozart, de Haydn, nieto de JSBach.

Un piano que vive en el cantabile, que bebe de la voz humana, su registro, su delicadeza, su altura.

Un piano recogido, intimista, de salón más que de teatro.

Un piano de polifonía cercana, de pureza humana, envolvente y redondo como un abrazo de amor necesario.

Un piano de ritmo implacable, de izquierdas.

Un piano de exquisito legato de una sola mano, de derechas...

Escuchemos la gracia aérea, la infinita introversión de la calidez de los sentimientos más humanos, tan elevados que no dejan de serlo.

Cuatro perlas del opus 28: cuatro Preludios a sí mismos.

Preludio n. 4 en mi menor. Claudio Arrau

(vídeo capetond)

Preludio 17 en La bemol mayor. Arthur Rubinstein

(vídeo ArRubMusic)

Preludio 19 en Mi bemol mayor. Maurizio Pollini

(vídeo ArioniaTellus)

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Preludio 24 en re menor. Ivo Pogorelich

(vídeo capetond)

Golaud

2011-11-11T10:05:00.004+01:00

Gustav Klimt - El Árbol de la Vida- (detalle)

"ont ne dit pas, on suggère"

(Mallarmé)

Golaud: de esta rotunda y musical manera he pensado en ocasiones que merecía haberse titulado la única y magistral incursión de Claude Debussy (1862-1918) en el mundo de la ópera.

Pelléas et Mélisande fue el título escogido, pues ellos dos son los protagonistas, la pareja; pero Golaud es el motor dramático, el ser fieramente humano que soporta el peso de la historia y la evoluciona entre el sufrimiento y la violencia, mientras los enamorados se enrocan en su mundo onírico, sin tiempo ni espacio, envueltos en el dulce cabello de la niña-madre, atrapados entre el sombrío bosque y el inmenso mar, en un misterio sin escapatoria: congelados susurrando.

¿Podría a alguien ocurrírsele llamar Desdémona a la tragedia de Otelo, dibujada por Shakespeare y coloreada por Verdi?

¿Y quién soy yo para cambiarle el título a la pieza simbolista de Maurice Maeterlinck? Ese mismo autor que inflamó a un Debussy a la busca y captura de un libreto diferente que colmara sus expectativas, su idea: “el de las cosas dichas a medias; dos sueños asociados: he ahí el ideal. Sin país, sin fecha, sin escena... Sueño poemas cortos, escenas móviles, diversas por lugar y carácter... personajes sufriendo la vida...”. El mismo autor complacido con el músico, que le dio amplio permiso para adecuar su obra literaria a las necesidades de la lírica. El mismo autor que, por amor hacia la soprano rechazada, Georgette Leblanc, acabó atacando y renegando de la ópera, del compositor, y de sí mismo.

Lo cierto, lo indudable, es que la obra teatral se ajusta como un guante a la novedosa y bellísima puesta en música que realizó Debussy. Tanto en la monótona (?) declamación sin artificios “como personas naturales”, alejada de la senda melódica; como en el encanto lunar, etérea ensoñación, opresivo dramatismo, fascinante ambientación orquestal de claroscuros, siempre presente, siempre evocador, en sus interludios evanescentes: impresionista malgré lui.

Pura sugerencia, misterio y armonía, prodigio de arte debussyano, fantasma que aún recorre el bosque de un castillo sin sol... Susurros.

Debussy comenzó la composición por la Escena IV del Cuarto Acto; a modo de prueba de su viabilidad escogió la gran escena pasional de los amantes con su dramático fin. Yo, para ilustrar la entrada, escojo la Escena I del Acto Tercero, la más melódica y onírica; cuando nace el Amor y asciende en forma de Besos:

¡Tus cabellos,

tu melena desciende hacia mí!

Toda tu cabellera, Melisande

¡toda tu cabellera,

está cayendo por la torre!...

La tengo entre las manos,

la tengo en la boca...

La tengo en los brazos,

me rodeo el cuello con ella...

Elisabeth Söderström, Mélisande
George Shirley, Pelléas
Donald McIntyre, Golaud
ROH - Pierre Boulez

El Cisne negro y el Fauno

2011-11-05T11:17:00.007+01:00

Alphonse Mucha -detalle-

El Cisne de Tuonela (1894) constituye la segunda parte, el movimiento lento, de la Suite de Lemminkainen op. 22 (Cuatro Leyendas para Orquesta) de Jan Sibelius, basadas en episodios del poema épico nacional finés Kalevala.

“Uno de los cantos más bellos sobre la muerte jamás compuestos en música” (Marc Vignal) nos describe con apacible melancolía el majestuoso cisne que habita el negro río de Tuonela, el reino de la Muerte.

El largo monólogo melódico del corno inglés inunda la pieza con su irreal tímbrica sobre las ondulantes superficies de las cuerdas más agudas, y una oscura y sorda llamada de los timbales nos sitúa ante la solemne eternidad. Escuchemos la obra bajo la dirección de Paavo Järvi:

(video mangott)
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Contemporáneo, análogo y antitético a la vez, nacía el Fauno de Claude Debussy. Preludio a la Siesta de un Fauno (1894) es una ilustración musical del poema homónimo de Stéphane Mallarmé.

Una voluptuosa y muelle pieza orquestal de refinado timbre cristalino; siendo esta vez la flauta el hilo conductor con su cromático tema del fauno, a la luz del sotobosque. Oigamos la versión del maestro Stokowski:

“Sylvain d’haleine première

Si la flûte a réussi

Ouïs toute la lumière

Qu’y souflera Debussy”

(S. Mallarmé)

.

(video agustigula4)

Robert Fripp (VIII): “En La Corte Del Rey Carmesí”

2011-10-28T11:53:00.010+02:00

Un álbum formidable, apoteósico, hipnótico, tal vez el más influyente de la historia del rock. No es para menos, era el nacimiento discográfico de KING CRIMSON, el Señor del rock progresivo (que no sinfónico). La criatura más compleja, la banda que era capaz de enriquecer el rock más simple con la psicodelia, el color del jazz, o la electricidad más agresiva, sin estructuras fijas. Ah!... y las letras, las apocalípticas letras de Sinfield.

En Julio de 1969 tras el monumental concierto de Hyde Park, comenzaron las sesiones de grabación de la obra “In The Court Of The Crimson King”. Cinco temas, cinco integrantes; 5, el número mágico, lo sobrenatural revoloteando siempre en torno al Rey. El 10 de Octubre se publicó con esa portada demoledora de Barry Godber, que luego se haría mítica.

Ian McDonald (teclados, vientos)

Greg Lake (bajo, voz)

Michael Giles (batería, percusión)

Peter Sinfield (letras)

Robert Fripp (guitarras, melotrón)

Por entonces Robert Fripp, presa del subidón, y ya en plan líder, declaraba: “el propósito fundamental de King Crimson es el de organizar la anarquía, utilizar el poder latente del caos y permitir que las influencias variables interaccionen y encuentren su propio equilibrio” Suena atractivo, pero ¿se puede materializar? Tal vez sea de esta manera:

“21st Century Schizoid Man”: tema salvaje, intenso, demencial, un torbellino sonoro cercano y pionero del heavy; poderoso riff con voz distorsionada, y saxo obligado.

“I Talk to the Wind”: la antítesis, un tema melódico, ensoñador, todo dulzura y delicadeza en la flauta pastoril que conduce el desarrollo, y en la molicie del punteo sobre el estribillo, con voces dobladas; pop de altura:

(vídeo gauchounesp)

“Epitaph” incluye “March for no Reason” y “Tomorrow and Tomorrow”: el punto central gravitatorio de una obra perfectamente simétrica, el cénit; solemne y desoladora, opresiva en su grandeza, opulenta en la entrada del melotrón y las dobles guitarras, acordes de acústica, punteos de eléctrica. Lake canta mejor que nunca y en su línea de bajo se resume todo el agobio del mundo, de ahora y de mañana. La gran intensidad emotiva se envuelve en música para subsistir:

El muro en que escribieron los profetas

se resquebraja por sus costuras.

Sobre los instrumentos de la muerte

la luz del sol brilla vivamente.

Cuando todos los hombres sean destrozados

con pesadillas y con sueños

Nadie portará la corona de laureles.

cuando el silencio ahogue los gritos.

Confusión será mi epitafio

Mientras me arrastro por un sendero roto y agrietado.

Si lo hacemos, podremos todos recostarnos

y reír

Pero temo que mañana estaré llorando.

Sí, temo que mañana estaré llorando

(vídeo ProgCollection)

“Moonchild”: tema onírico, lunar, que degenera en una amplia improvisación

“In the Court of the Crimson King” incluye “The Return of The Fire Witch” y “The Dance of the Puppets”: la apoteosis épica, siniestramente medieval con su dramática atmósfera y sus momentos líricos. Tras el barroquismo inicial, entra la voz arropada por acústica y flauta, para enarbolar una arrastrada melodía que resuelve su tensión en la opulenta llamada coral. La sección central se fundamenta en la suavidad de la flauta y el cristal de la percusión: el remanso. Pero vuelve la agitación para finalizar en el siniestro baile mecánico que devuelve el ritornello instrumental, catapultado por el impresionante redoble de batería, y conducido por un descarnado punteo de guitarra eléctrica, casi demoníaco...

El guardián de las llaves de la ciudad

pone contraventanas en los sueños.

Espero frente a la puerta de los peregrinos

con planes inacabados.

La Reina Negra canta

una marcha fúnebre.

Sonarán las rotas campanas de bronce

para convocar a la Hechicera de Fuego

en la Corte del Rey Carmesí.

(vídeo MusicThatDoesNotSuck)

Una obra conceptual, lúcida, simétrica, global, simbólica, atemporal, profundamente intensa y ecléctica; más, mucho más que el paralelismo barroco que traza Andrew Keeling (imaginería de las letras, los ritornellos, los afetti...)

Enescu: un Preludio

2011-10-22T09:42:00.002+02:00

George Enescu (1881-1955) rumano inmortal, inspiradísimo compositor, violinista virtuoso, afamado director de orquesta, se movió musicalmente entre un gusto desatado por las formas antiguas y una pasión por la tradición popular de su país. Un excelente crisol de modernidad y tradición, de refinamiento culto y sabor folclórico.

Ejemplos abundantes hallamos en su producción para orquesta -Tres Sinfonías, Dos Rapsodias Rumanas, Tres Suites- siempre con un marcado carácter rapsódico.

La Suite para Orquesta N.1 op 9 (1903) se abre con un Preludio al unísono, para cuerdas. Una infrecuente y pura monodia donde la exquisita nobleza popular se solemniza en los timbales:

(vídeo BFZBFO)

#AgurETA

2011-10-20T20:21:00.002+02:00

Jose Pardines Arcay
Meliton Manzanas Gonzalez
Fermin Monasterio Perez
Eloy Garcia Cambra
Jose Humberto Fouz Escobero
Jorge Juan Garcia Carneiro
Fernando Quiroga Veiga
Juan Antonio Bueno Fernandez
Luis Carrero Blanco
Jose Luis Perez Mogena
Gregorio Posada Zurron
Manuel Perez Vazquez
Martin Duran Grande
Antonio Alonso Palacin
Maria Jesus Arcos Tirado
Felix Ayuso Pinel
Francisca Baeza Alarcon
Baldomero Barral Fernandez
Gerardo Garcia Perez
Francisco Gomez Vaquero
Antonio Lobo Aguado
Manuel Llanos Gancedo
Luis Martinez Martin
Mª Josefina Perez Martinez
Concepción Perez Paino
Mª Angeles Rey Martinez
Jeronimo Vera Garcia
Argimiro Garcia Estevez
Luis Santos Hernandez
Jose Diaz Linares
Jose Ramon Moran Gonzalez
Andres Segovia Peralta
Fernando Llorente Roiz
Domingo Sanchez Muñoz
Mariano Roman Madroñal
Ovidio Diaz Lopez
Carlos De Arguimberri Elorriaga
Francisco Exposito Camio
Demetrio Lesmes Martin
Esteban Maldonado Llorente
Juan Jose Moreno Chamorro
Jesus Pascual Martin
German Aguirre Irausegui
Manuel Lopez Triviño
Antonio Echevarria Albizu
Manuel Vergara Jimenez
Victor Legorburu Iberreche
Julian Galarda Ayastuy
Emilio Guezala Aramburu
Manuel Albizu Idiaquez
Angel Berazadi Urbe
Vicente Soria Blasco
Jesus Mª Gonzalez Ituero
Jose Luis Mantinez Martinez
Miguel Gordo Garcia
Antonio Frutos Sualdea
Luis Carlos Albo De Las Llamos
Juan Maria Araluce Villar
Jose Maria Elecegui Diaz
Alfredo Garcia Gonzalez
Antonio Palomo Perez
Luis Francisco Sanz Flores
Constantino Gomez Barcia
Antonio Galan Aceituno
Manuel Orcera De La Cruz
Javier Ybarra Berges
Valentín Godoy Cerezo
Antonio Hernandez Fernandez-Segura
Angel Rivera Navarron
Augusto Unceta Barrenechea
Jose Diaz Fernandez
Joaquin Imaz Martinez
Julio Martinez Ezquerro
Jose Manuel Baena Martin
Manuel Lemus Noya
Joaquin Ramos Gomez
Miguel Raya Aguilar
Jose Vicente Del Val Del Rio
Jose Maria Panizo Acedo
Esteban Beldarrain Madariaga
Andres Guerra Pereda
Alberto Negro Viguera
Miguel Angel Iñigo Blanco
Manuel Lopez Gonzalez
Juan Antonio Marcos Gonzalez
Martin Merquelan Sarriegui
Francisco Martin Gonzalez
Jose Maria Portell Manso
Domingo Merino Arevalo
Jose Javier Jauregui Bernaola
Juan Antonio Perez Rodriguez
Juan Manuel Sanchez-Ramos Izquierdo
Jose Garcia Gastiain
Alfonso Estevas-Guilmain Muñoz
Aurelio Salgueiro Lopez
Jose Antonio Ferreiro Gonzalez
Lorenzo Soto Soto
Jose Zafra Regil
Ramiro Quintero Avila
Francisco De Asis Liesa Morote
Anselmo Duran Vidal
Angel Pacheco Pata
Jose Benito Diaz Garcia
Elias Garcia Gonzalez
Ramon Muiño Fernandez
Alberto Villena Castillo
Luis Carlos Gancedo Ron
Luciano Mata Corral
Andres Silverio Martin
Epifanio Benito Vidal Vazquez
Ignacio Olaiz Michelena
Juan Cruz Hurtado Fernandez
Jose Luis Legasa Ubiria
Rafael Recaola Landa
Mariano Criado Ramajo
Luis Candendo Perez
Leucio Revilla Alonso
Jose Rodriguez De Lama
Francisco Mateu Canoves
Jose Benito Sanchez Sanchez
Bejamin Sancho Legido
Elias Elexpe Asandoa
Eliodoro Arriaga Ciaurre
Alejandro Hernandez Cuesta
Manuel Leon Ortega
Gabriel Alonso Perejil
Angel Cruz Salcines
Jose Maria Sarrais Llasera
Vicente Rubio Ereño
Juan Jimenez Gomez
Saturnino Sota Argaiz
Diego Fernandez-Montes Rojas
Joaquin Maria Azaola Martinez
Pedro Garrido Caro
Jose Maria Arrizabalaga Arcocha
Lisardo Sampil Belmonde
Jose Luis Vicente Canton
Jose Luis Vicente Canton
Francisco Berlanga Robles
Jose Maria Herrera Hernandez
Cosntantino Ortin Gil
Ciriaco Sanz Garcia
Hortensia Gonzalez Ruiz
Antonio Ramirez Gallardo
Miguel Garcia Poyo
Francisco Gomez Gomez-Jimenez
Francisco Mota Calvo
Jesus Ulayar Liciaga
Esteban Saez Gomez
Jose Fernando Artola Goicoechea
Felix De Diego Martinez
Jose Diez Perez
Jose Antonio Vivo Undabarrena
Sergio Borrajo Palacin
Benito Arroyo Gutierrez
Miguel Chavarri Isasi
Jose Maria Maderal Oleaga
Antonio Recio Claver
Pedro Fernandez Serrano
Adolfo Mariñas Vence
Miguel Orenes Guillamont
Juan Bautista Peralta Montoya
Gines Pujante Garcia
Dionisio Imaz Gorostiza-Goiza
Olegario Domingo Collazo Melon
Juan Batista Garcia
Pedro Ruiz Rodriguez
Juan Diaz Roman
Jose Miguel Maestre Rodriguez
Antonio Peña Solis
Antonio Perez Garcia
Jesus Abalos Gimenez
Lorenzo Gomez Borrero
Luis Gomez Hortiguela
Agustin Laso Corral
Luis Berasategui Mendizabal
Andres Varela Rua
Angel Baños Espada
Hector Abraham Muñoz Espinoza
Diego Alfaro Orihuela
Francisco Medina Albala
Jesus Maria Colomo Rodriguez
Moises Cordero Lopez
Emilio Lopez De La Peña
Antonio Pastor Martin
Miguel Angel Saro Perez
Jose Manuel Amaya Perez
Dorotea Perting
Jose Manuel Juan Boix
Juan Luna Azol
Jesus Perez Palma
Guadalupe Redondo Vian
Dionisio Rey Amez
Juan Jose Tauste Sanchez
Antonio Nieves Cañuelo
Manuel Ferreira Simois
Antonio Lopez Carrera
Aureliano Calvo Val
Jose Maria Perez Rodriguez
Modesto Carriegas Perez
Julian Ezquerro Serrano
Aurelio Perez-Zamora Camara
Loenzo Gonzalez-Valles Sanchez
Sixto Holgado Agudo
Luis Maria Uriarte Alzaa
Pedro Goiri Rovira
Alfonso Manuel Vilariño Doce
Carlos Sanz Biurrun
Antonio Mesa Portillo
Manuel Fuentes Fontan
Fernando Espinola Rodriguez
Antonio Ales Martinez
Angel Garcia Perez
Pedro Sanchez Marfil
Juan Cruz Montoya Ortueta
Jesus Garcia Garcia
Sebastian Arroyo Gonzalez
Jesus Velasco Zuazola
Francisco Moya Jimenez
Jose Miguel Palacios Domiguez
Alfredo Ramos Vazquez
Luis Dominguez Jimenez
Juan Manuel Roman Moreno
Alfredo Diez Marcos
Jose Gomez Martiñan
Jose Gomez Trillo
Antonio Marin Gamero
Jose Martinez Perez Castillo
Victorino Villamor Gonzalez
Angel Astuy Rodriguez
Miguel Rodriguez Fuentes
Ignacio Arocena Arbelaiz
Eugenio Saracibar Gonzalez De Durana
Jose Luis Ramirez Villar
Jose Artero Quiles
Damaso Sanchez Soto
Enrique Aresti Urien
Jose Piris Caballo
Eugenio Lazaro Valle
Luis Martos Garcia
Jose Torralba Lopez
Rufino Muñoa Alcalde
Jose Oyalga Marañon
Jesus Vadaurre Ollita
Jose Espinosa Viscarret
Jose Antonio Moreno Nuñez
Ramon Baglieto Martinez
Jesus Holgado Sabio
Jose Manuel Rodriguez Fontana
Dionisio Villadangos Calvo
Ceferino Peña Zubia
Francisco Puig Mestre
Francisco Ruiz Fernandez
Tomas Sulibarria Goitia
Angel Postigo Mejias
Jose Pablo Garcia Lorenzo
Julio Santiago Exposito Pascual
Luis Maria Hergueta Guinea
Joaquin Becerra Calvente
Antonio Gomez Ramos
Aurelio Navio Navio
Ramon Ledo Taboada
Francisco Lopez Bescos
Mario Gonzalez Blasco
Jesus Maria Echeveste Toledo
Antonio Fernandez Guzman
Basilio Altuna Fernandez Arroyobe
Jose Maria Urquizu Goyoaga
Antonio Garcia Argente
Mariano Gonzalez Huergo
Miguel Hernandez Espigares
Alfonso Martinez Bella
Ramon Coto Abad
Jose Ignacio Ustaran Ramirez
Benito Morales Fabian
Sergio Canal Canal
Jesus Hernando Ortega
Jose Antonio Merenciano Ruiz
Avelino Palma Brioa
Angel Prado Mella
Jose Luis Vazquez Platas
Carlos Garcia Fernandez
Lorenzo Motos Rodriguez
Jaime Arrese Arizmendirrieta
Felipe Extremiana Unanue
Juan Manuel Garcia Cordero
Juan De Dios Doval Mateo
Jose Maria Perez De Orueta
Julio Cesar Castrillejo Perez
Modesto Garcia Lorenzo
Miguel Lasa Arrubarrena
Arturo Lopez Hernandez
Angel Retamar Nogales
Jose Alberto Lisalde Ramos
Sotero Mazo Figueras
Miguel Zunzunegui Arratibel
Vicente Zorita Alonso
Juan Garcia Leon
Aurelio Prieto Prieto
Carlos Fernandez Valcarcel
Miguel Garcia Baraibar
Joaquin Martinez Simon
Miguel Angel San Martin Fernandez
Jose Javier Moreno Castro
Antonio Diaz Garcia
Jose Luis Oliva Hernandez
Leopoldo Garcia Martin
Jose Maria Ryan Estrada
Jose Luis De Raymundo Moya
Ramon Romero Rotaeche
Jose Luis Prieto Gracia
Juan Costas Otamendi
Vicente Sanchez Vicente
Francisco Frances Garzon
Luis Cadarso San Juan
Oswaldo Jose Rodriguez Fernandez
Antonio Noguera Garcia
Manuel Rodriguez Taboada
Guillermo Tevar Saco
Jose Olaya De La Flor
Manuel Sanchez Borrallo
Esteban Alvarez Merayo
Maria Jose Garcia Sanchez
Luis Parra Urbaneja
Ignacio Ibarguchi Erostarbe
Juan Manuel Martinez Castaños
Pedro Martinez Castaños
Magin Fernandez Ferrero
Luis Miranda Blanco
Ovidio Ferreira Martin
Joaquin Gorjon Gonzalez
Felix Galindez Llano
Santiago Gonzalez De Paz
Manuel Hernandez Seisdedos
Benigno Garcia Diaz
Benjamin Fernandez Fernandez
Jose Fragoso Martin
Modesto Martin Sanchez
Cristina Monica Illarramendi Ricci
Agustin Martinez Perez
Alfonso Maside Bouzo
Ramiro Carasa Perez
Vicente Garcia Lopez
Pablo Fernandez Rico
Angel Pascual Mugica
Antonio Huegun Aguirre
Luis Manuel Allende Porrua
Daniel Enriquez Garcia
Rafael Vega Gil
Jose Luis Fernandez Pernas
Jose Aybar Yañez
Juan Antonio Garcia Gonzalez
Alberto Lopez-Jaureguizar Poncela
Miguel Garrido Romero
Vicente Gomez Duarte
Antonio Cedillo Toscano
Alfonso Lopez Fernandez
Jesus Ordoñez Perez
Juan Seronero Sacristan
Emilio Fernandez Arias
Jose Giemenez Mayoral
Gregorio Hernandez Corchete
Cesar Uceda Vera
Domingo Garcia Gonzalez
Francisco Gonzalez Ruiz
Victor Lago Roman
Carlos Manuel Patiño Casanova
Juan Ramon Joya Lago
Jaun Manuel Garcia Mencia
Manuel Lopez Fernandez
Miguel Mateo Pastor
Benicio Alonso Gomez
Ramon Iturriondo Garcia
Anibal Izquierdo Emperador
Joaquina Patricia Llanillo Borbolla
Aniano Sutil Pelayo
Pedro Barquero Gonzalez
Maria Dolores Ledo Garcia
Julio Segarra Blanco
Eduardo Vadillo Vadillo
Juan Maldonado Moreno
Jesus Blanco Cereceda
Manuel Francisco Garcia San Miguel
Ramiro Salazar Suero
Manuel Peronie Diez
Arturo Quintanilla Salas
Pablo Sanchez Cesar
Manuel Benito Jose
Alberto Martin Barrios
Jose Pulido Pavon
Angel Flores Jimenez
Alfredo Jorge Suar Muro
Jose Reyes Corchado Muñoz
Candido Cuña Gonzalez
Lorenzo Mendizabal Iturrarte
Manuel Carrasco Merchan
Angel Martinez Trelles
Antonio De Vicente Comesaña
Jose Antonio Julian Ballano
Francisco Javier Collado Azurmendi
Pablo Garraza Garcia
Eduardo Navarro Cañada
Guillermo Quintana Lacaci
Miguel Francisco Solaun Angulo
Pedro Ortiz De Urbina Garayalde
Jose Naranjo Martin
Bernardo Perez Sobrino
Jose Verdu Ortiz
Jesus Alcocer Jimenez
Tomas Palacin Pellejero
Juan Jose Visiedo Calero
Antonio Velasco Benito
Angel Rodriguez Sanchez
Juan Flores Villar
Luis Ollo Ochoa
Diego Torrente Reverte
Angel Zapatero Antolin
Manuel Vicente Gonzalez Vilorio
Alberto Aznar Feix
Antonio Torron Santamaria
Juan Rodriguez Rosales
Jose Maria Martinez Martinez
Victoriano Collado Arribas
Agustin David Pascual Jove
Jose Luis Veiga Perez
Vicente Gajate Martin
Juan Sanchez Sierro
Joseph Couchot
Mohamed Hamed Abderrahaman
Luis Alberto Asensio Pereda
Juan Enriquez Criado
Francisco Javier Fernandez De La Justicia
Pedro Garcia Suarez
Jose Larrañaga Arenas
Agapito Sanchez Angulo
Ricardo Tejero Magro
Angel Facal Soto
Carlos Diaz Arcocha
Jesus Ildefonso Garcia Vadillo
Maximo Antonio Garcia Kreinle
Luis Navarro Izquierdo
Juan Jose Uriarte Orue
Maximo Diaz Bardera
Francisco Rivas Lopez
Moises Herrero Luengo
Alfredo Aguirre Belascoain
Jose Martinez Parens
Francisco Miguel Sanchez
Esteban Del Amo Garcia
Juan Garcia Jimenez
Jose Millarengo De Bernardo
Vicente Romero Gonzalez-Calatayud
Eugenio Recio Garcia
Ignacio Montes Abal
Estanislao Galindez Llano
Juan Merino Antunez
Antonio Jesus Trujillo Comino
Fausto Escrigas Estrada
Agustin Ruiz Fernandez De Retana
Fernando Amor Calvo
Jose Exposito Afan
Eugene Kent Brown
Clement Perret
Felix Gallego Salmon
Isidoro Diez Raton
Juan Manuel Ibarzabal Duque
Rafael Melchor Garcia
Jose Herrero Quiles
Mario Manuel Leal Baquero
Juan Atares Peña
Alejandro Saenz Sanchez
Cristobal Colon De Carbajal Maroto
Manuel Trigo Muñoz
Jose Antonio Alvarez Diez
Jose Ignacio Aguirrezabalaga De La Granja
Alberto Alonso Gomez
Juan Jose Caton Vazquez
Vicente Javier Dominguez Gonzalez
Juan Carlos Gonzalez Rentero
Juan Mateos Pulido
Enrique Moreno Arguilea
Manuel Fuentes Pedreira
Juan Caballero Porral
Antonio Ramos Ramirez
Francisco Casillas Martin
Ricardo Saenz De Inestrillas Martinez
Carlos Vesteiro Perez
Carlos Jose Marrero Sanabria
Francisco Muriel Muñoz
Carmelo Bella Alamo
Juan Ignacio Calvo Guerrero
Jose Calvo Gutierrez
Miguel Angel Cornejo Ros
Javier Esteban Plaza
Andres Fernandez Pertierra
Jesus Maria Freixes Montes
Jose Joaquin Garcia Ruiz
Jesus Gimenez Gimeno
Angel De La Higuera Lopez
Santiago Iglesias Godino
Antonio Lancharro Reyes
Adrian Gonzalez Revilla
Ignacio Mateu Isturiz
Jose Maria Picatoste Gonzalez De Chavarri
Mª Dolores ("Yoyes") Gonzalez Catarain
Angel Barcelo Naranjo
Angel Gonzalez Pozo
Rafael Garrido Gil
Daniel Garrido Velasco
Mª Jose Teixeira Gonçalves
Daniela Velasco Martinez De Vidaurreta
Julio Sanchez Rodriguez
Genaro Garcia De Andoain Larrinaga
Francisco Royo Gimenez
Jose Antonio Peña Medina
Jose Angel Ramos Saavedra
Manuel Rivera Sanchez
Mª Luisa Sanchez Ortega
Antonio Gonzalez Herrera
Juan Fructuoso Gomez
Felix Peña Mazagatos
Mª Teresa Torrano Francia
Carmen Pascual Carrillo
Milagros Amez Franco
Mª Rosa Baldellou Mestre
Sonia Cabrerizo Marmol
Susana Cabrerizo Marmol
Felipe Caparros Ubierna
Teresa Daza Cecilia
Mª Paz Dieguez Fernandez
Mª Emilia Eyre Dieguez
Mercedes Manzanares Servitja
Mª Del Carmen Marmol Cubillo
Matilde Martinez Dominguez
Rafael Morales Ocaña
Mercedes Moreno Moreno
Consuelo Ortega Perez
Luisa Ramirez Calanda
Luis Enrique Salto Viñuales
Barbara Serret Cervantes
Jose Valero Sanchez
Xavier Valls Bauza
Jordi Vicente Manzanares
Silvia Vicente Manzanares
Pedro Galnares Barrera
Antonio Angel Lopez Martinez Colmenero
Antonio Ligero Hec
Rafael Mucientes Sanz
Cristobal Martin Luengo
Manuel Avial Garcia
Federico Carro Jimenez
Vicente Montova Salazar
Wenceslao Maya Vazquez
Maria Cruz Yoldi Orradre
Antonio Mateo Melero
Pedro Angel Alcazaz Martos
Jose Ignacio Ballarin Cazaña
Silvia Ballarin Gay
Esther Barrera Alcaraz
Miriam Barrera Alcaraz
Rocio Capilla Franco
Emilio Capilla Tocado
Mª Carmen Fernandez Muñoz
Mª Dolores Franco Muñoz
Jose Gomez Solis
Jose Pino Arriero
Silvia Pino Fernandez
Pedro Ballesteros Rodriguez
Luis Azcarraga Perez-Caballero
Francisco Espina Vargas
Antonio Gomez Osuna
Sebastian Aizpiri Leyaristi
Francisco Javier Zabaleta Azpitarte
Antonio Fernandez Alvarez
Jose Antonio Ferri Perez
Pedro Antonio Fonte Salido
Martin Martinez Velasco
Jose Luis Barrios Capetillo
Francisco Herrera Jimenez
Ramon Bañuelos Echevarria
Julio Gangoso Otero
Juan Jose Pacheco Cano
Cristobal Diaz Garcia
Jaime Bilbao Iglesias
Luis Delgado Villalonga
Jose Aldaolea Abaitua
Jose Antonio Barrado Recio
Engraciano Gonzalez Macho
Jose Calvo De La Hoz
Juan Bautista Castellanos Martin
Juan Antonio Garcia Andres
Jose Montes Gila
Luis Hortelano Garcia
Manuel Jodar Cabrera
Jose Maria Sanchez Garcia
Gregorio Caño Garcia
Ignacio Barangua Arbues
Jose Martin-Posadillo Muñiz
Conrada Muñoz Herrera
Luis Reina Mesonero
Carmen Tagle Gonzalez
Jose Antonio Cardosa Morales
Juan Pedro Gonzalez Manzano
Jose Angel Alvarez Suarez
Eladio Rodriguez Garcia
Ignacio Bañuelos Laso
Jose Martinez Moreno
Ignacio Perez Alvarez
Aureliano Rodriguez Arenas
Angel Jesus Mota Iglesias
Benjamin Quintano Carrero
Elena Maria Moreno Jimenez
Miguel Paredes Garcia
Virgilio Do Nascimento Afonso
Francisco Almagro Carmona
Rafael San Sebastian Flechoso
Jose Lasanta Martinez
Jose Luis Hervas Mañas
Ignacio Urrutia Bilbao
Jose Manuel Alba Morales
Luis Alberto Sanchez Garcia
Carlos Arberas Arroyo
Jose Francisco Hernandez Herrera
Daniel Lopez Tizon
Ramon Diaz Garcia
Juan Jose Escudero Ruiz
Juan Gomez Salazar
Eduardo Hidalgo Carzo
Miguel Marcos Martinez
Francisco Perez Perez
Vicente Lopez Jimenez
Luis Alfredo Achurra Cianca
Luis Garcia Lozano
Isidro Jimenez Dual
Francisco Diaz De Cerio Gomez
Jose Edmundo Casañ Perez-Serrano
Luis Arago Guillen
Manuel Echevarria Echevarria
Jose Manuel Cruz Martin
Maria Del Coro Villamudria Sanchez
Francisco Robles Fuentes
Francisco Alvarez Gomez
Juan Chincoa Ales
Francisco Cipriano Diaz Sanchez
Maudilia Duque Duran
Ramon Mayo Garcia
Ana Cristina Porras Lopez
Pilar Quesada Araque
Nuria Ribo Parera
Rosa Maria Rosa Muñoz
Vanesa Ruiz Lara
Juan Salas Piris
Enrique Aguilar Prieto
Raul Suarez Fernandez
Valentin Martin Sanchez
Andres Muñoz Perez
Ricardo Couso Rios
Donato Calzado Garcia
Raimundo Perez Crespo
Manuel Perez Ortega
Jesus Sanchez Lozano
Luis Claraco Lopez
Pedro Dominguez Perez
Jose Luis Jimenez Barrero
Carlos Perez Dacosta
Francisco Gil Mondoza
Alfonso Menchaca Lejona
Francisco Cebrian Cabezas
Jose Luis Jimenez Vargas
Victor Puertas Viera
Francisco Carballar Muñoz
Eduardo Sobrino Gonzalez
Juan Carlos Trujilo Garcia
Fabio Moreno Asla
Pedro Carbonero Fernandez
Jose Javier Urritegui Aramburu
Francisco Javier Delgado Gonzalez-Navarro
Jose Angel Garrido Martinez
Arturo Anguera Valles
Jose Ansean Castro
Manuel Broseta Pont
Virgilio Mas Navarro
Juan Antonio Querol Queralt
Francisco Carrillo Garcia
Ramon Carlos Navia Refojo
Juan Antonio Nuñez Sanchez
Antonio Ricote Castillo
Emilio Tejedor Fuentes
Angel Garcia Rabadan
Eutimio Gomez Gomez
Antonio Ricondo Somoza
Julia Rios Rioz
Jose San Martin Breton
Enrique Martinez Hernandez
Antonio Jose Martos Martinez
Juan Jose Carrasco Guerrero
Aquilino Joaquin Vasco Alvarez
Juan Manuel Helices Patino
Jose Manuel Fernandez Lozano
Juan Manuel Martinez Gil
Antonio Heredero Gil
Ricardo Gonzalez Colino
Jose Luis Luengos Martinez
Miguel Miranda Puertas
Jose Antonio Santamaria Vaqueriza
Jose Ramon Dominguez Burillo
Emilio Castillo Lopez De La Franca
Angel Maria Gonzalez Sabino
Javier Baro Diaz De Figueroa
Manuel Calvo Alonso
Jose Alberto Carretero Sogel
Fidel Davila Garijo
Domingo Olivo Esparza
Pedro Robles Lopez
Juan Romero Alvarez
Juvenal Villafañe Garcia
Dionisio Herrero Albiñana
Jose Antonio Goicoechea Asla
Leopoldo Garcia Campos
Fernando Jimenez Pascual
Vicente Beti Montesinos
Jose Benigno Villalobos Blanco
Miguel Peralta Utrera
Juan Jose Hernandez Rovira
Jose Manuel Olarte Urreizti
Cesar Garcia Contonente
Joaquin Martin Moya
Francisco Veguillas Elices
Jose Santana Ramos
Alfonso Morcillo Calero
Rafael Leyva Loro
Gregorio Ordoñez Fenollar
Mariano De Juan Santamaria
Margarita Gonzalez Mansilla
Eduardo Lopez Moreno
Enrique Nieto Viyella
Jesus Rebollo Garcia
Manuel Carrasco Almansa
Santiago Esteban Junquer
Jose Ramon Intriago Esteban
Florentino Lopez Del Castillo
Felix Ramos Bailon
Martin Rosa Valera
Josefina Corresa Huerta
Luciano Cortizo Alonso
Fernando Mugica Herzog
Francisco Tomas Y Valiente
Ramon Doral Trabadelo
Miguel Angel Ayllon Diaz-Gonzalez
Isidro Usabiaga Esnaola
Jesus Agustin Cuesta Abril
Eugenio Olaciregui Borda
Rafael Martinez Emperador
Domingo Puente Marin
Francisco Arratibel Fuentes
Modesto Rico Pasarin
Francisco Javier Gomez Elosegui
Luis Andres Samperio Sañudo
Jose Manuel Garcia Fernandez
Miguel Angel Blanco Garrido
Daniel Villar Encisco
Jose Maria Aguirre Larraona
Jose Luis Caso Cortines
Jose Ignacio Iruretagoyena Larrañaga
Ascensión Garcia Ortiz
Alberto Jimenez-Becerril Barrio
Tomas Caballero Pastor
Alfonso Parada Ulloa
Manuel Francisco Zamarreño Villoria
Pedro Antonio Blanco Garcia
Fernando Buesa Blanco
Jorge Diez Elorza
Jose Luis Lopez De Lacalle
Jesus Pedrosa Urquiza
Jose Maria Martin Carpena
Juan Maria Jauregui Apalategui
Jose Maria Corta Uranga
Francisco Casanova Vicente
Irene Fernandez Perera
Jose Angel De Jesus Encinas
Manuel Indiano Azaustre
Jose Luis Ruiz Casado
Luis Portero Garcia
Antonio Emilio Muñoz Cariñanos
Maximo Casado Carrera
Jesus Escudero Garcia
Armando Medina Sanchez
Jose Francisco Querol Lombardero
Jesus Sanchez Martinez
Ernest Lluch Martin
Francisco Cano Consuegra
Juan Miguel Gervilla Valladolid
Ramon Diaz Garcia
Josu Leonet Azkune
Jose Angel Santos Laranga
Ignacio Totorika Vega
Santos Santamaria Avendaño
Froilan Elespe Inciarte
Manuel Gimenez Abad
Santiago Oleaga Elejabarrieta
Justo Oreja Pedraza
Luis Ortiz De La Rosa
Jose Javier Mugica Astibia
Mikel María Uribe Aurkia
Jose Maria Lidon Corbi
Ana Isabel Arostegui Legarreta
Javier Mijangos Martinez De Bujo
Juan Priede Perez
Cecilio Gallego Alaminos
Silvia Martinez Santiago
Juan Carlos Beiro Montes
Antonio Molina Martin
Jose Luis Juan Pagazaurtundua Ruiz
Bonifacio Martín Hernando
Julián Embid Luna
Carlos Alonso Palate
Diego Armando Estacio Civizapa
Ambrosio Fernández Recio
Raúl Centeno Pallón
Fernando Trapero Blázquez
Isaías Carrasco Miguel
Juan Manuel Piñuel Villalón
Luis Conde la Cruz
Ignacio Uría Mendizábal
Eduardo Puelles García
Jean-Serge Nérin

-In Memoriam-

ELEKTRA: la llaga abierta

2011-10-14T15:01:00.003+02:00

La ópera ELEKTRA de Richard Strauss, estrenada en Dresde en 1909, supuso la primera colaboración del genial músico con su no menos extraordinario libretista Hugo von Hofmannsthal; un primer contacto del que no saltaron chispas sino que se abrió de par en par un infierno, flamígero, áspero, demoledor, radical: la recreación del espanto.

Basada en la tragedia de Sófocles, esta obra a la vez tan clásica y tan moderna, nos presenta, en un blanco y negro cegador, una patología psicológica (hipermnesia, delirio, paranoia, histeria); la Fuerza (la venganza) y la Impotencia (la espera) de un Ser que no vive sino en su abyecta misión: Electra, la hija del asesinado rey Agamenón. Una mujer con un propósito, una muerta viviente que tiene un cometido, por hermano interpuesto, y que es incapaz de olvidar, manteniendo la herida abierta, sangrando y supurando; recreando a diario la detallada escena de la venganza a través de un odio que la alimenta. La víctima del sacrificio propiciatorio, la madre homicida, Clitemnestra tampoco vive, tampoco olvida, solo sueña pesadillas y espera el hacha de su hijo Orestes, el ejecutor, el arma de la venganza de Electra. Crisotemis, la hermana, el único ser vivo de la historia, ella sí desea olvidar, “quien quiera vivir debe olvidar”, para amar, para vivir.

Hija natural del Expresionismo alemán de comienzos del XX, “el expresionismo no mira, ve; no explica, vive”, es una obra musical absolutamente implacable, brutal, tallada de una piedra por una orquesta feroz y descomunal que engendra una devastadora música “llevada a los confines extremos de la armonía... y de la capacidad de escuchar de nuestros oídos” (R. Strauss)

Desde el devastador motivo de Agamenón, que abre y cierra violentamente la tragedia, disonante como el atroz golpe del hacha, la soprano protagonista (un papel arrasador) arrastra su pesada carga psicopatológica, con absoluta violencia, en una línea desabrida, bronca, hosca, tan solo suavizada en el bálsamo lírico e intenso del reconocimiento de Orestes, su hermano...

“¿Lo entiendes, hermano?

He tenido que abandonar

todo lo que yo era.

Tuve que sacrificar mi propio pudor.

El pudor, lo más dulce que tenía.

El pudor, que es cómo el aura

plateada y lechosa de la luna,

que cubre a toda mujer

y que mantiene apartado

todo horror de sí y de su alma.

¿Lo entiendes, hermano?

He sacrificado ese dulce escudo

en memoria de nuestro padre.

¿No comprendes que si yo hubiese

hallado placer en mi cuerpo,

sus suspiros y gemidos se habrían

abierto paso hasta mi lecho?.

Los muertos son celosos:

y él me envió el odio,

el odio de sus ojos hundidos,”

... se solaza y se completa en su tarea, hallando su plenitud...

“Esta tarea es como

un lecho de bálsamo

en el que reposa el alma,

cuando ésta se ha convertido

en una llaga, una brasa, una pústula,

¡en una llama!.”

... tanto que por primera vez olvida, olvida entregar el hacha asesina a Orestes; pero en los golpes vengativos, en los gritos de los asesinados, se abre al Amor y alcanza la culminación...

“¡Ah!. ¡El amor mata!

¡Pero nadie muere

sin haberlo conocido antes!”

... que la lleva al éxtasis mortal ...

“Yo he sembrado tinieblas

y no hago sino recoger

gozo sobre gozo.

No fui más que un negro cadáver,

y ahora me he convertido

en el fuego de la vida,

y mi llama consume

la oscuridad del mundo”

Mahler la encontró decepcionante y aburrida (?); yo, modestamente, me atrevo a recomendar sin reservas, casi como una necesidad, esta obra maestra absoluta, siempre actual, y les animo a que asistan, si pueden, a las funciones que actualmente se representan en el Teatro Real de Madrid. Mientras, en el expresionista film de Götz Friedrich, veamos a Leonie Rysanek interpretar su gran monólogo de introducción “Allein! Weh, ganz allein” donde desgrana todo el salvajismo vengador :

(vídeo sagazflausino)

“Por ello, debe su sangre postrarse

ante ti y servirte, y nosotros,

nosotros, tu misma sangre,

tu hijo Orestes y tus hijas,

los tres, cuando

todo esto se haya consumado,

cuando los torrentes de púrpura

hayan brotado de la sangre

humeante reseca por el sol,

entonces, nosotros, tu misma sangre,

danzaremos alrededor de tu tumba.

Y sobre los cadáveres alzaré yo

mis rodillas, un paso tras otro,

y todo el que me vea danzar, aunque

solamente pueda ver danzar

mi sombra en la distancia,

dirá: un gran rey está siendo

grandemente honrado aquí,

por su misma carne y

por su misma sangre,

y dichoso sea aquél cuyos hijos

bailan la regia danza de la victoria

alrededor de su tumba.

¡Agamenón!, ¡Agamenón!.”

Sentimientos (de un Trío)

2011-10-08T10:00:00.002+02:00

Trío para Clarinete, Violonchelo y Piano en la menor opus 114 de J Brahms:

I. Duelo y Consolación: Adagio de tonos oscuros, donde nos enfrentamos al duelo en el descenso a las profundidades de la cuerda o en el timbre melancólico del viento, aún sabiendo que el consuelo habita en la nobleza de la madera; el piano resulta la urdimbre.

II. Amor: Andantino Grazioso en el que semeja “que los dos instrumentos estuviesen enamorados el uno del otro” (Mandyczewski). Un Amor aéreo, fresco como un amanecer, ingenuo como un suspiro, ingrávido como un sueño, de luces débiles pero limpias. Un Brahms extraño...

Kálmán Berkes, clarinete
Miklós Perényi, violonchelo
Zoltán Kocsis, piano
(vídeos Barbebleuei)

Sentimientos en una misma obra, en un mismo autor, en uno mismo.

Autumnus, autumni

2011-09-30T12:10:00.002+02:00

Foto CRS

Tal vez por el decreciente nivel de luz siempre he sentido esta estación como un suceso que aporta un inminente final... la renovación o la desaparición: lo desconocido.

Un suceso que se legitima en los árboles, cuyas hojas cambian de color y son arrastradas por un viento que emerge audaz desde sus cavernas de verano, impulsando aguas como lluvia:

...

No sé si alguna vez les ha pasado a ustedes

pero el Jardín Botánico es un parque dormido

que sólo despierta con la lluvia.

Ahora la última nube ha resuelto quedarse

y nos está mojando como alegres mendigos.

El secreto está en correr con precauciones

a fin de no matar ningún escarabajo

y no pisar los hongos que aprovechan

para nadar desesperadamente.

Sin prevenciones me doy vuelta y siguen

aquellos dos a la izquierda del roble,

eternos y escondidos en la lluvia

diciéndose quién sabe qué silencios.

No sé si alguna vez les ha pasado a ustedes

pero cuando la lluvia cae sobre el Botánico

aquí se quedan sólo los fantasmas.

Ustedes pueden irse.

Yo me quedo.

(A la izquierda del roble -Mario Benedetti-)

Y se introduce lenta, suavemente, en un cantabile del violonchelo, entre texturas del piano y contrastes armónicos del violín, acompañando en una especie de andante largo, parsimonioso, con rasgos de majestad lírico-dramática; una formidable modulación resalta la importancia del momento como un rito continuo de paso hacia la desaparición, en los ataques del arco del chelo. Es Beethoven, que olvida a Haydn y engendra a Schubert, quien nos sumerge en lo desconocido con el Largo de su Triple Concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta opus 56:

(vídeo TheLeonardoSaez)

Ustedes pueden quedarse...

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (y 7)

2011-09-23T13:45:00.002+02:00

Nada mejor para cerrar el ciclo de los Brandemburgos que escuchar alguna versión especialmente llamativa; además de las ya publicadas: English Concert, Münchener Bach- Orchester, Il Giardino Armonico, Musica Antiqua Köln, Concerto Italiano,... podemos seguir la evolución en la interpretación de la música del Kantor, desde postulados postrománticos hasta las aproximaciones con instrumentos originales, pasando por algunas derivadas.

I. Históricas:

1930 Furtwängler BPO: una de las primeras, románticamente rica y plena

Concierto 3 movimiento 1 (vídeo nyankothecat)

1932 Alfred Cortot et Orchestre de L’École Normale de Musique de Paris: entusiasmo sentimental

Concierto 5 (vídeo gullivior)

1935 Adolph Busch Chamber Players: espiritualidad sin romanticismo
Concierto 1 movimiento 1 (vídeo petrof4056)

1950 Pau Casals Prades Festival Orchestra: el bach humano
Concierto 2 movimiento 2 (vídeo shellac1925)

1962 Otto Klemperer y la Orquesta Philharmonia: profundo y parsimonioso
Concierto 6 movimiento 1 (vídeo BeautyMeansDeath)

.

II. Historicistas:

1964 Harnoncourt y el Concentus Musicus: el pionero
Concierto 3 (vídeo MrRecordHighs)

1984 Christopher Hogwood y The Academy of Ancient Music: vívida, cortante, estridente

Concierto 2 (vídeo theprof1958)

III. Especiales:

Jacques Loussier Trio
concierto 5 movimiento 1 (vídeo artvandelay13)

Swingle Singers
Concierto 3 movimiento 1 (vídeo japino11)

Walter Carlos
Concierto 3 movimiento 1 (audio ulises53)

Un rigoletto personalizado

2011-09-16T08:55:00.001+02:00

Una de las facetas más atractivas, y definitorias, del ilustre recreador o intérprete, es la capacidad de llevar la obra de arte, el personaje, a su terreno; haciendo suya y creíble la historia que desgrana en una amalgama espléndida entre el respeto al creador y la propia personalidad de quien lo rememora. Ese delgado filo entre la fidelidad a la fuente y el marchamo personal es el quid, el nudo gordiano definitorio del ejecutante superior, del genio de la interpretación.

Y ese es el valor que Leo Nucci nos regaló durante el 59 Festival de Ópera de A Coruña. Un honorable representante de la vieja escuela italiana, con casi cuarenta años de carrera y cerca de quinientos rigolettos a sus espaldas, cuenta con toda esa dilatada experiencia para conseguir, en cada recreación del bufón verdiano, insuflarle la vida, carne y espíritu, metamorfoseándose en cada gesto, en cada mirada, en cada nota.

De acuerdo con que su voz carece del metal poderoso de otrora, o de otros ilustres barítonos; adolece del bruñido salvaje de un inmoral suavizado por la paternidad; pero con su lustroso vibrato nos llegaba toda su humanidad debilitada en una voz carnal, opaca, de terciopelo gastado por su propia función, todavía acariciadora.

La representación giraba a su alrededor, el público, los coprotagonistas, también la orquesta, impresionante, seguía y atendía con mimo el devenir trágico de su maldición: lenta, parsimoniosa, arropante, atenta, fiel acompañante de un rubato dramático

Todo pensado para y por Nucci, quien estaba encantado, inmerso a gusto en su otro yo. Se palpaba en su entrega, en el ademán certero, en su sonrisa franca ante los muchos vítores, excesivos durante la representación diría yo, que le llevaron a bisar el duo-cabaletta del Acto Segundo "Si, vendetta, tremenda vendetta"; aquí lo tienen:

Video de rafadmartin

A su lado, a un nivel más prosaico, la Gilda de María José Moreno; muy bella de timbre, de voz clara y atractiva de ligera competente; íntima y recogida, supo seguir con resolución al maestro Nucci.

Mikeldi Atxalandabaso, como diría mi galaico amigo, tiene las notas del Duca en su garganta; no aporta nada especial, ni asombra por su bello color pero no desmerece el nivel del reparto, enganchándose a una poderosa y rica emisión por encima del pasaje.

Muy estimable el Sparafucile de Dmitri Ulyanov, de voz potente y oscura bien emitida, y terrorífico desempeño, ciertamente atractivo en su imprescindible rol.

El resto de coprimarios resultaron más bien anodinos, sin nada reseñable salvo la belleza femenina de la contessa de Ceprano (Alina Lindquist)... La Coral polifónica El Eco, podríamos despacharla con el lugar común de cumplidora, lo cual no es poco.

Especial mención para el maestro Miguel Angel Gómez Martínez que dio una lección de concertación, de buen gusto musical, desde la batuta de la OSG, acompañando con mimo y esmero a los cantantes, con unos tempi amplios, majestuosos, dramáticos, supongo de común acuerdo con Nucci; demostrando lo que debe de ser un director de foso con gusto y oficio. Excelente la respuesta de la orquesta que dejó una muestra maestra en su desempeño durante la escena del cuarteto del tercer Acto: presencia, oscuridad, dramatismo, tragedia, dolor,... en los atriles.

La régie tradicional de Emilio Sagi contaba con un montaje tirando a feo pero efectivo; unas bases móviles inclinadas que dibujaban intrincadas callejas, que funcionaban bien en determinadas escenas y resultaban pobres en otras. Los pabellones parecían más de van der Rohe que de la propia época que desvelaba el vestuario.

El público, desaforado, con ganas de jarana y dispuestos a que el Rigo-Nucci ofreciera un bis, por encima de todo. Misión cumplida, aquí paz y después gloria, yo satisfecho con un notable alto en mi calificación personal. Para otras calificaciones y comparativas, anexo un vídeo con cinco vendettas de barítonos y sopranos renombrados:

(Vídeo de 34fgsfgsdtu48w7qtaqt)

Pop Místico

2011-09-09T21:31:00.001+02:00

Gracias a la reciente algarabía de las JMJ 2011 logré recordar una noticia musical, con más de un año de antigüedad, publicada en L'Osservatore Romano, periódico oficial de la Santa Sede. Más que una noticia, se trataba de una puesta al día, esta vez con pocas décadas de retraso, de la opinión vaticana respecto a la música pop, evidentemente anglosajona: una lista de los diez mejores discos de música ligera.

Ahí va:

Revolver, The Beatles

If I Could Only Remember My Name, David Crosby

The Dark Side Of The Moon, Pink Floyd

Rumours, Fleetwood Mac

The Nightfly, Donald Fagen

Thriller, Michael Jackson

Graceland, Paul Simon

Achtung Baby, U2

(What's the story) Morning Glory, Oasis

Supernatural, Santana

Llamaba mi atención, además del hecho singular en sí mismo, no solo las clamorosas ausencias, sino también la inclusión de obras y autores que podríamos calificar como "de culto” (y perdonen el juego de palabras). Entre los cuales quisiera destacar hoy el primer disco en solitario del más bigotudo de los renombrados Crosby, Stills, Nash & Young: David Crosby y su If I Could Only Remember My Name (1971)

Un disco revalorizado con el paso de los años, que es y representa una mezcla, un collage, una auténtica jam de lo más granado de la costa oeste americana del cambio de década, el glorioso gozne sesenta-setenta. Crosby, además de integrar a miembros de las mejores bandas del lugar y de la época, CSN&Y (Nash y Young), Grateful Dead (García, Lesh, Kreutzmann), Jefferson Airplane (Kantner, Kaukonen, Cassady, Slick), Santana (Rolie, Schrieve) Joni Mitchell... perfectos amigos en escena y fuera, consigue con su reconocida maestría en las armonías vocales, un redondo producto de pop intimista de raíz folk-blues, aderezado con toques sicodélicos de sonoridades cuando menos sorprendentes e hipnóticas, que conforman un ambiente de relax entre hippie y trascendente, místico vamos, dejando una sensación de paz y bienestar; una especie de lo mejor de cada casa, huyendo del caos en el que se convertían con frecuencia aquellas colaboraciones.

Tamalpais High (at about 3): composición aérea de Crosby, con el propio David a la guitarra, Graham Nash; Jorma Kaukonen; Jerry Garcia; Phil Lesh; Bill Kreutzmann

Song With No Words (tree with no leaves): otro tema sedativo como un susurro cariñoso, de Crosby con Graham Nash; Gregg Rolie; Jerry Garcia; Jorma Kaukonen; Jack Casady; Michael Shrieve

Orleans, adaptación de un tema tradicional de origen francés del siglo XV, en la voz y la acústica de Crosby. "Orléans, Beaugency, Notre-Dame de Cléry, Vendôme, Vendôme !"

What Are Their Names: típico tema de la factoría Jefferson, atmosférico, viajero, con una introducción instrumental que abarca cuarto y mitad de su duración, y el arropamiento impagable de las mejores gargantas de la costa. Crosby con Neil Young; Jerry Garcia; Phil Lesh; Michael Shrieve; Graham Nash, Joni Mitchell, David Freiberg, Paul Kantner, Grace Slick.

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(todos los vídeos de RakyMaky)

Preciosismo sonoro, intimismo relajante, misticismo, evocación,... que ustedes lo disfruten y el Vaticano le bendiga.

Hmmm... ¡Si tan solo pudiese recordar TU nombre...!

Oboe, Flauta ¿o Voz?

2011-09-02T14:00:00.004+02:00

flor de Psychopsis papilio (colección privada de Barbebleue)

En el verano de 1777 WA Mozart todavía se encontraba bajo el sombrero de sinople del Príncipe-Arzobispo Colloredo en Salzburgo, para cuya Capilla recibió el encargo de componer un Concierto para Oboe conocido como Concierto Ferlendis K.271, pues tal era el apellido del primer oboe de la orquesta. Durante su viaje a Mannheim de ese mismo año, Mozart le entregó una copia a Ramm, oboísta de la Orquesta de Mannheim. Pero fue en 1920 cuando Bernhardt Paumgartner descubrió en el Mozarteum las partes separadas de dicho concierto en Do mayor.

Un concierto en tres movimientos, de gusto francés, que tras un Allegro aperto vivaz y juguetón, un Andante non troppo de tierna línea melódica, termina en un Allegro Rondó con un animado tema principal rico en alegría, frescura y delicadeza, ligero y aéreo:

(vídeo bartje11)

Bien conocido es el poco aprecio que sentía Mozart por el oboe, así que no es de extrañar que al año siguiente, a propósito de su viaje a Mannheim y de un encargo de De Jean, realizase una transposición del mismo para flauta, modificando la tonalidad principal a Re mayor, convirtiéndose en su Segundo Concierto para Flauta K.314. Escuchemos el tercer movimiento rondó en esta instrumentación:

(vídeo whomakemefeel)

La frescura, la gracia aérea, la ligereza del movimiento evocan la delicadeza de la flor del papilio...

Pero no terminaría ahí la aventura musical del tema del Rondó. Poco tiempo después sería transcrito para voz en el aria de Blonde “Welche Wonne, Welche Lust” de su ópera Die Enfuhrung aus dem Serail, que pasamos a escuchar en versión de Desirée Rancatore en el aéreo, delicado, ligero y bellísimo Palacio Topkapi de Estambul:

(video elias12186)

Escojan, escojan...

Susana, la de Floyd

2011-08-26T13:57:00.001+02:00

Susana y los Viejos. 1610 . -Artemisia Gentileschi-

CARLISLE FLOYD es un compositor, nacido en Carolina del Sur en 1926, especialmente atraído por la ópera. Pertenece a una generación de músicos estadounidense que forjaron el nacimiento de una lírica con raíces, a mitad del pasado siglo (Copland, Moore, Ward, Hanson, …)

Uno de sus mayores éxitos lo obtiene a los 28 años con la ópera SUSANNAH, estrenada en 1955 en Tallahassee, Florida. Él mismo escribió el libreto, basándose lejanamente en el apócrifo de Susana y los Viejos, historia bíblica de difamación e intolerancia. Tema que daría lugar a obras maestras no solo de la música (Händel) sino especialmente de la pintura: Lotto, Rubens, Tintoretto, Van Dyck, Rembrandt, Veronese, Artemisia Gentileschi…

Una historia asfixiante repleta de intolerancia y violencia, reflejo buscado del macartismo de la época, que contrasta con una música ampliamente melódica, de intenso sabor folclórico; con escenas corales de fuerte carácter dramático y excelentes arias fieramente líricas y apasionadas. Una suerte de verismo a la americana…

Sinopsis de la obra, con algunas arias destacadas tomadas de la función de octubre de 1993 en la Lyric Opera of Chicago, con Renée Fleming como Susannah, y Samuel Ramey en el papel de Olin Blitch (vídeos Barbebleuei):

Acto I: Susannah Polk vive con su hermano Sam en una pequeña comunidad rural de Tennesse; es una ingenua joven, vital y hermosa, que comienza a ser criticada por los viejos lugareños y sus esposas, pertenecientes a la Iglesia de la Nueva Esperanza. Un día es sorprendida accidentalmente por los ancianos bañándose desnuda en el arroyo, y comienza la difamación sobre su conducta. Se le exige una expiación pública de sus pecados, cosa que Susannah no acepta al creerse libre de toda culpa, y así se lo hace saber a Sam.
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-Lorenzo Lotto-

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Acto II: el recién llegado predicador Olin Blitch le exige también público arrepentimiento, y tras el nuevo rechazo de Susannah, acude a su casa, en ausencia del hermano, para convencerla.
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-PP Rubens-

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Tras la fuerte disputa, el reverendo la aborda de forma mucho más humana, la seduce violentamente para finalmente violarla en su propio hogar
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-Tintoretto-

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Al día siguiente, arrepentido, intenta convencer a los Ancianos de la inocencia de Susannah, con poco éxito, a la vez que ruega a la joven un perdón que ella no le concede. Susannah relata a su hermano Sam todo lo sucedido, y éste sale con su arma y mata al predicador. Una multitud acecha la casa de Susannah, a la cual planta cara la joven con toda la determinación y el coraje de la experiencia sufrida. Sobre ella cae el telón, mientras desde su porche observa retirarse a la multitud…

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La mujer como fuente de deseo y maldad, elevada por algunos a los libros más sagrados…

A Classic of Our Time

2011-08-19T14:41:00.005+02:00

(La Mortella: villa y jardines de William y Susana Walton en Ischia, en el golfo de Nápoles)

Así, parafraseando el Oratorio de Tippett, podemos referirnos a Sir William Walton (1902 Oldham – 1983 Ischia) o mejor aún usando sus propias palabras “un compositor clásico con fuerte tendencia al lirismo”… un lirismo intenso, elegante, natural, depurado, agridulce, energético.

Su Concierto para Violonchelo y Orquesta data de 1956; fue encargado por el violonchelista ucraniano Gregor Piatigorski quien lo estrenó al año siguiente con la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Charles Munch.

La partitura es un compendio de las cualidades musicales de Walton: la elegancia refinada y el lirismo punzante, dentro de una estructura neoclásica que podemos calificar como muy personal, merced a unas texturas orquestales nubosas que cobijan a un solista incisivo.

I. Moderato: pinceladas impresionistas en la orquesta para acunar a un lírico solista en un soleado y tibio amanecer (en Isquia): color y sueño.

II. Allegro appassionato: en realidad un scherzo enérgico donde la lucha solista/orquesta solo cesa en la lírica melodía que encuentra el violonchelo, pareciera casi como por azar.

III. Lento: tema e improvisaciones, sombrías, líricas y delicuescentes del chelo, que termina ligando con el tema del moderato inicial y su atmósfera irreal, para desaparecer en un sostenido desmedido, como el Tirreno.

Versión original de la obra en un vídeo de TheWelleszCompany

“Six Concerts Avec Plusieurs Instruments” (6)

2011-08-12T15:00:00.001+02:00

flor de Viola cornuta

Cálida oscuridad sin sombras: la disputa de las violas. Así podríamos definir el Sexto Concierto de Brandemburgo en Si bemol mayor BWV1051 de JSBach. En realidad un Concierto para dos violas, con cuatro; una arquitectura que supone el ensamblaje perfecto entre la tradición y la modernidad en la instrumentación: dos violas y un violonchelo como solistas modernos, y dos violas da gamba, contrabajo y clave como continuo tradicional. Rompedora resulta la utilización de la noble gamba para papeles secundarios de continuo…

La ausencia del brillo de los violines, el papel destacado y distintivo de las violas en su personal lucha por la preeminencia rítmica, así como la permanente polifonía instrumental, marcan la personalidad del considerado más antiguo de los seis brandemburguenses. Posiblemente su origen proviene de Cöthen, donde el príncipe era un esforzado ejecutante de gamba, sin olvidar que la viola es uno de los instrumentos preferidos de JSB.

Pese a la sonoridad grave, apenas podemos hablar de excursiones por las sombras, ni siquiera en la meditación pesarosa del segundo movimiento, con toques de misterio sobrenatural y calidez humana. El lenguaje del gran Bach no requiere la evidencia para surtir efecto…

Philip Pickett lo interpreta, en su lectura simbólica, a la luz de la leyenda del s. XIII de los Tres vivos y los Tres muertos, donde la tímbrica de la orquestación refleja la lucha de la muerte y el triunfo final de la vida eterna.

El clásico, sobrio y recordado Karl Richter nos interpreta los tres movimientos del Concierto con miembros de su Orquesta Bach de Munich, en unos vídeos subidos por SoliDeoGloria8550:

I. (sin indicación de tempo): hasta seis deliciosos y expresivos ritornellos en las violas solistas, las cuales, persiguiéndose en canon con intervalos de corchea, dirimen una disputa que aporta un continuo flujo de perfección.

II. Adagio ma non tanto: sin gambas, pero con figuraciones del violonchelo discurre la meditación en las violas en forma fugada, recogida y redentora.

III. Allegro: toda la instrumentación para una giga italiana tripartita cuya vitalidad evidencia el triunfo de la energía como luz y vida; el triunfo de la Música y de su padre, Bach…

La flor y nata: CREAM

2011-08-05T20:44:00.001+02:00

(pintada en el Londres de los sesenta)

Lo escogido y lo selecto, lo mejor de cada casa, la élite… así nació Cream, el primer Supergrupo rock consciente de ello. Pero no solo, sino también: la evolución del rythm and blues, la vanguardia sonora de finales de los sesenta, y una influencia que alimentó a toda una generación de grupos.

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Eric Clapton, también conocido como dios, tocaba por aquella época (1966) con los Bluesbreakers del padre blanco del blues, John Mayall. Reconocido ya como el mejor guitarrista eléctrico de las Islas, decidió dar vía libre a su creatividad, montando su propio combo con el mejor bajista, Jack Bruce, quien colaboraba esporádicamente con los bluesbreakers; y con el mejor batería, Ginger Baker, percusionista de la Graham Bond Organisation, en donde ya se había peleado con el propio Bruce.

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Contaba la leyenda urbana que la vanidad estaba detrás de la formación; no se habían podido resistir a tocar los tres mejores de cada instrumento. Ella misma en forma de ego pondría punto final a la banda tras dos años y medio, y cuatro discos, dos de ellos imprescindibles “Disraeli Gears” y “Wheels of Fire”

La lengua materna de los tres era el blues, aquí no había dudas ni engaños; pero su contribución fue darle un nuevo empuje, una actualización: una mezcla exitosa con la psicodelia sonora del momento rica en pedaleras y distorsiones, un predominio de la instrumentación imaginativa, una experimentación libre (rock progresivo), una promiscuidad estilística exacerbada. Coordenadas que fueron siguiendo en la década siguiente, y posteriores, muchos de los más grandes del circo rock.

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En Cream encontramos al Clapton más energético y creativo, lejos de la irregular carrera que luego seguiría. Descubrimos también la importancia y la necesidad del bajista como creador musical: un Jack Bruce descomunal que sería llamado por el genio Zappa para aquel sensacional álbum llamado Apostrophe. Y ¡cómo no! La ilimitada aportación de un percusionista a una banda de blues-rock.

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Sus limitaciones: el aspecto vocal, encabezado por un plano Bruce y un Clapton que nunca sería un buen cantante. Tampoco como compositores eran geniales, sirviéndose de clásicos del género, de los que harían versiones referenciales. Pero sus interpretaciones supusieron una descarga de vitalidad poderosa, fastuosa y creativa.

Unos adelantados a su propio tiempo…
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Escuchemos alguno de sus más legendarios temas:
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Sunshine of Your Love: un grupo vestido a la moda

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(vídeo zosoclapton)

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Strange Brew: no se pierdan el cardado de Clapton

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(vídeo myBeatclub)

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White Room

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(vídeo alienwithanattitude)

Born Under A Bad Sign: un clásico

(vídeo RogerSydBarrett07)

Cegado por el Sonido

2011-07-29T12:26:00.002+02:00

A Venezia!

En ocasiones, más de vez en vez que de cuando en cuando, tu mente se vuelve insólitamente transparente y, de manera inmediata, te haces consciente de que estás ante un evento extraordinario, de la máxima precisión y exactitud: ante la Excelencia (Musical).

Las descargas placenteras no admiten dudas; las procesas y piensas ¡diosmío, esta vez sí!

Esas, y no otras, eran mis sensaciones, ya a partir del cuarto compás de la primera obra que Il Giardino Armonico interpretó en el tercer concierto de enjundia del Via Stellae-2011. Un concierto, como su nombre indicaba, dedicado a la escuela barroca veneciana, con profusión de nombres y palos.

Amigos, todo comenzó en la cuerda ¡qué cuerda! … de tripa. Enrico Onofri, decenas de kilos más delgado, lideraba los dos violines, la viola, el violonchelo, el contrabajo y el laúd, más clave. Era una suavidad con drama, como una caricia con pasión. Pocas veces el sonido estuvo tan cerca de la música; las voces instrumentales se deslizaban arriba y abajo, con o sin arco, con tal brillo y sustancia que producía ceguera por fulgor; ese fulgor de oro y sol que solo en Venecia se reconoce.

En los momentos cumbre del concierto, entraba el flautín de Giovanni Antonini, cual pajarillo, libre y animado, emancipado y lozano, para evocar al sin par Vivaldi: gorjeo orgiástico, de ese que no quieres que termine, de ese que te deja culpable de no sé qué transgresión, por acceder a algo improbable y tal vez prohibido.

Los nombres y la obras se iban desgranando, en una audición de embeleso: Dario Castello, Tarquinio Merula, Giovanni Legrenzi, Baldassarre Galuppi, y el sin par … Sonate, Canzone, Concerti, Ciaccona …

Reconozco mi debilidad, ya antigua, por el grupo italiano así que les invito a que hagan la prueba, por ejemplo con la Ciaccona para dos violines y bajo continuo de Merula (1637):

(vídeo paulviejo)

Lo dicho: la Excelencia en forma de Jardín...

Semiramide, la de Porpora

2011-07-22T11:47:00.003+02:00

Nicola Porpora (1686-1768) fue uno de los más de treinta compositores que pusieron en música la leyenda de Semiramide, llevada al libreto por Metastasio quien nos presenta ante una pléyade de reyes y príncipes, que se dan cita en Babilonia, el descubrimiento de la verdadera identidad de la reina asiria.

Porpora, rival del mismísimo Händel en Londres, creó una soberbia ópera, que desgraciadamente dormía el sueño del olvido, repleta de preciosas arias con profusión de los diversos affetti y lucimiento vocal de los distintos personajes de deambulan por la obra: reina, amante, hermano, traidor… Fue estrenada en Venecia en 1729 con el mismísimo Farinelli en el cast.

El Festival Via Stellae junto el prestigioso Festival de Beaune rescataron esta preciosa partitura, en su versión veneciana, en el buen hacer musical de la Accademia Bizantina y su segundo director, Stefano Montanari: tal vez no exquisita pero sí brillante y contundente agrupación barroca, y un dinámico, histriónico y desatado director musical. Para el amplio reparto se contó con un grupo homogéneo y entregado:

Delphine Galou, contralto (Semiramide) precedida de creciente fama y unas buenas prestaciones en la grabación de Baune, llegó la cantante parisina al festival compostelano en baja forma. En el primer acto defraudó a la concurrencia: la voz no le salía de puro engolamiento, ausencia de fraseo, tirantez. Tras el descanso, sorprendió a propios y extraños con una mejora muy evidente en su actuación: por fin la voz corría …

Aria "Voi non sapete quanto"

Blandine Staskiewicz, mezzo (Scitalce) una línea vocal impoluta, fraseo exquisito y muy musical, tal vez lo más destacable del reparto.

Aria "Vorrei spiegar l’afanno"

Teodora Gheorghiu, soprano (Mirteo) voz muy ligera pero con buen gusto en la coloratura. Su gran aria In braccio, se vio ensombrecida por el reciente recuerdo (tres días) de la interpretación de Ann Hallenberg… y la sombra de Farinelli.

Aria "In braccio a mille furie"

Juan Sancho, tenor (Ircano) atractivo diseño de su personaje en una voz lírica muy sonora.

Mary-Ellen Nesi, mezzo (Sibari) tablas y oficio para sacar el máximo provecho a un atractivo personaje de bellísimas arias

Aria "Vieni, che poi sereno"

María Hinojosa-Montenegro, soprano (Tamiri) voz muy lírica, no especialmente atractiva, pero de estupenda coloratura, ágil y expresiva.

"Semiramide Riconosciuta": todos los vídeo son del Festival de Beaune (8/7/11) y han sido subidos por OedipusTyrannus.

Dedicada a todas las reinas que visitan el Castillo, con mi mejor deseo de que os guste tanto como a mí!

Ann Hallenberg: concierto Farinelli (otra manera de contarlo)

2011-07-14T21:00:00.003+02:00

Una Pena. Tu Ausencia.

Si estuvieses aquí, verías a Ann Hallenberg vestir brocados barrocos con turquerías.

Si estuvieses conmigo, sabrías que las dos primeras arias eran del hermano de Farinelli. Notarías la valentía de comenzar con “Son qual nave ch’agitata”

Si hubieses venido, te explicaría que la Sinfonía op 6 n.6 era de un hijo de JSB: el Bach de Londres, el amigo de Mozart.

Si me acompañases, te comentaría que el orden de las dos últimas arias de la primera parte se había alterado: Giacomelli antes que Porpora.

Si estuvieses a mi lado, escucharías abrir la segunda parte con la monumental “Alto Giove”, también de Porpora.

Si vinieses conmigo, recordarías la obertura de Cleofide de JA Hasse.

Si estuvieses aquí, escucharías cerrar el concierto con dos perlas de Leonardo Leo, de su Catone in Utica.

Si te encontrases a mi lado, te diría que Ann es muy completa: grandeza, hermosura, agilidad, dramatismo, color, affetti… Bravíssima!!!

Si te hubieses sentado conmigo, te haría partícipe de la excelente impresión de Les Talens Lyriques de Chistophe Rousset y sus pantalones pitillo, mucho más brillantes que en otras ocasiones.

Si estuvieses aquí, te reirías con el penacho de plumas azules con que adornó la mezzo sueca su rubia cabeza.

Si hubieses estado, disfrutarías del Festival Via Stellae en su inauguración.

La Ausencia tiñó de Tristeza la Belleza Musical; tanto que fuera de programa Hallenberg atacó una “Lascia ch'io pianga” desoladora, echando a secar las lágrimas entre palco y palco, en un cordel de estrellas.

La Tristeza es Agua; la Felicidad, Aire.

Una Pena. Tu Ausencia.

Ann Hallenberg ensayando con Les Talens Lyriques la “nave” de Riccardo Broschi

(vídeo LTLTV)

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (5)

2011-07-07T21:57:00.015+02:00

'La elección de Hércules' Annibale Carracci

En nuestro paseo brandemburgués llegamos hoy al Concierto BWV 1050 en re mayor, uno de los más bellos de toda la serie. Se trata de un concierto triple, para flauta travesera, violín, clave, y continuo. Una obra maestra que partiendo de virtuosos solistas miraba ya hacia el futuro en cuanto a la especial tímbrica instrumental utilizada.

P. Pickett, observando el suave balanceo entre música italiana y francesa, le denomina “la elección de Hércules”, cuando el héroe duda (cadenza) entre el Vicio y la Virtud… finalmente, por desgracia, elegiría la Segunda.

1. Allegro: a pesar del destacado papel cantabile de la flauta, el verdadero monarca de este movimiento es el clave con su descomunal cadenza (pensada posiblemente para ser interpretada por el propio Bach) que lleva al ritornello final

2. Affettuoso: con la ausencia del ripieno, el clave adquiere aquí el papel de continuo para acompañar los sucesivos ritornellos de los otro solistas, en un ambiente meditativo.

3. Allegro: una magistral fuga sobre un tema de giga, que redondea toda su belleza contrapuntística en el cantabile solista.

-Orchestra of the Age of Enlightenment-

(vídeos takataka1052)

Doors: 'L.A.Woman'

2011-07-01T10:32:00.001+02:00

“Are you a lucky little lady in The City of Light
Or just another lost angel…City of Night”
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El sexto y último álbum de los Doors con Jim Morrison, un icono dionisíaco y apolíneo que ejerció de músico, poeta y animador, fue algo especial, diferente; tal vez el menos personal de su carrera pero también el más profundo y oscuro: una inmersión en el Blues clásico, alejado del pop lisérgico de sus comienzos. Se cumplen cuarenta años.
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También lo fue por el lamentable estado físico y mental de Morrison, quien moriría en París tres meses después de su publicación. Las broncas con el grupo y con el productor marcaron las sesiones de grabación, donde su propio deterioro se hace evidente en el estado de la voz en los distintos temas. La frescura y suficiencia van dando paso a la oscuridad y la quiebra. El sonido del grupo sigue basado en los elaborados teclados de Ray Manzarek, que ejercen de base rítmica y también atmosférica, admitiendo amplios desarrollos con cambios de ritmo muy habituales en sus mejores trabajos.
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Pese a todo, el resultado es demoledor y atemporal. El álbum contiene el celebrado Riders on the Storm, auténtica teta de novicia y el tema más conocido tras Light My Fire, así como un corte de John Lee Hooker, y blues, mucho blues.
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Riders on the Storm: excelente trabajo de piano eléctrico en una atmósfera opresivamente húmeda:
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(vídeo Wolfshead2)
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Love Her Maddly: pop ácido guitarrero:
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(video ReneaB66)
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L.A. Woman: el ritmo como conductor de la tensión, y generador de la melodía vocal que replica la guitarra:
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(vídeo SlaushCro)
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Una vuelta a sonidos clásicos mientras el soleado sueño californiano se consumía…

La Clemenza di Tito: coronando de nuevo…

2011-06-24T10:17:00.001+02:00

Esta vez a Leopoldo II como Rey de Bohemia. El solemne acto tuvo lugar en Praga y para los festejos se encargó, con tan solo dos meses de antelación, al empresario Guardasoni que montase una ópera para ensalzar al nuevo monarca. El hombre se desplazó a Viena y a indicación de Caterino Mazzolá contactó con Mozart quien apenas tuvo un mes para la composición.
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Nuestro genio estaba trabajando en su Die Zauberflöte, pero el pecunio era generoso y necesario, así que abrió un paréntesis en su actividad para componer el encargo, sobre una obra muy musicada de Metastasio, que elogiaba las virtudes de bondad y clemencia de los buenos monarcas. Aligerada por el propio Mazzolá, sería su penúltima ópera: La Clemenza di Tito Kv. 621. Estrenada el 6 de septiembre de 1791, Mozart volvió de inmediato a Viena para presentar a finales de ese mismo mes La Flauta Mágica.
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Una ópera seria “drama serio per musica”, al estilo antiquo, cuyas rigideces se fueron flexibilizando merced al buen trabajo del libretista italiano, introduciendo dúos, tríos y finales concertados por requerimiento del propio compositor. Ante la escasez de tiempo, los recitativos secos pertenecen a algún discípulo, posiblemente a Süssmayer, y los últimos retoques datan de la víspera del estreno. Fue durante decenios la ópera más representada del genio de Salzburgo hasta caer en el olvido cuando no en el desprecio. Aún sin las altas cotas musicales de la trilogía Daponte, y a cierta severidad casi protocolaria, en ella oscilamos entre la elegante y transparente calma del Cosí y la cálida atmósfera de la Flauta.
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El gran momento, punto culminante de la obra, es el Aria-Rondó de Vitellia, verdadero personaje central, “Non piu di fiori” adornado con el corno di bassetto. Un aria exigente, donde Mozart baja la tesitura de forma inclemente (no es Tito) para sufrimiento de la soprano dramática de coloratura, y la acerca a las posibilidades de una mezzo ágil y solvente por arriba. Aria tripartita, introducida por un recitativo acompañado, cuyo Larghetto inicial conduce al Allegro y presentación del Rondó en el instrumento de viento; al final un Andante Maestoso se encadena al Coro que presenta la última escena de la obra.
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Apuros y falta de fineza fueron evidentes en la interpretación que de este aria hizo Véronique Gens el pasado sábado en el Festival Mozart de A Coruña, donde el buen hacer, delicado y elegante, del director Fabio Biondi, y sobre todo el excelente Sesto de Lucia Cirillo brillaron en una función operística que se enmarcó en un montaje feo pero neutro.
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Aquí un vídeo de dicha interpretación:
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vídeo FestivalMozart
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Aquí el mismo Rondó en una reciente (2006) pero más rigurosa interpretación de Alexandrina Pendatchanska con René Jacobs a la batuta:
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vídeo operalover9001

Benedictus: coronando Rey a un Emperador

2011-06-17T10:30:00.002+02:00

Emperador en Viena desde 1848 Francisco José I no logró hasta junio de 1867 ser coronado como Rey de Hungría merced al Compromiso Austro-Húngaro (Ausgleich) entre la mayoría germánica personificada en la corona y la nobleza nacionalista magiar.
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Para tan magno evento, que tuvo lugar en la Iglesia de Matías en pleno distrito del Castillo de Buda, las autoridades eclesiásticas de Budapest encargaron a Liszt la composición de una obra sacra: la Misa Húngara de la Coronación, para cuatro voces, coro y orquesta.
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En esta contenida obra de carácter protocolario, Liszt pretendió asumir dicho Compromiso (Coronación) con la Casa de los Habsburgo desde un punto de vista sintético: aunando la gran tradición, y peso, católicos (Misa) a la vez que una creciente, influyente y romántica pasión nacionalista (Húngara)
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Resulta evidente dicha dicotomía en dos de las seis secciones con que originalmente contaba la obra; posteriormente Liszt le añadió dos más.
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El Credo, donde echa mano de la simplicidad y recogimiento de la melodía gregoriana antigua, en canto monódico para coro mixto y órgano, añadiendo algún fragmento de una Misa de Henry du Mont (s. XVII).
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Y el Benedictus, con solo de violín obligado, de intenso aroma magiar, y que envuelve en armonías etéreas, sutiles, ideales, elevadas, sublimes,… evidente resulta la celestial atmósfera del Preludio de Lohengrin, ópera que él mismo había dirigido en Weimar.
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Un reflejo de diamantes para las Dos Coronas. Sissi al rescate...
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Veronika Kincses (soprano)
Klára Takács (contralto)
Dénes Gulyás (tenor)
László Polgár (bajo)
Coro de la Radio y Televisión Húngaros
Orquesta Sinfónica de Budapest
György Lehel
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(vídeo newFranzFerencLiszt)

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (4)

2011-06-10T08:01:00.001+02:00

El Concierto de Brandemburgo n. 4 para violín, dos flautas de pico, cuerda y continuo en sol mayor BWV 1049 es un prodigio de color por la especial configuración de los solistas. Un violín que termina por hacerse el amo del conjunto, y dos flautas, nominadas por JS Bach como Flauti d’Echo, que contraponen su calidez y rivalizan en virtuosismo.
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No está claro el por qué de la indicación manuscrita del compositor acerca de las flautas: bien por el tipo de instrumento a utilizar o por el efecto de eco que adorna su intervención en el movimiento lento.
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Para Philip Pickett se trata de la disputa entre Apolo –violín- y el dionisíaco Marsias, cuyo instrumento era la doble flauta –aulos-; razón y pasión en plena lucha, las Musas de jurado.
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Escuchemos la luminosa versión que nos propone Il Giardino Armonico con el inefable Giovanni Antonini al frente y el excelente Enrico Onofri al violín.
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Allegro: una larga introducción para un movimiento concéntrico que culmina en una parte central donde se acrecienta la predominancia del violín:

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Andante: a ritmo de zarabanda el ripieno, con su formación completa, arropa el momento de gloria de las dos flautas, en un juego de ecos.
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Presto: un soleado y rico movimiento fugado a cinco voces, incluyendo las flautas, donde el contrapunto rivaliza con la demostración de virtuosismo violinístico en el más moderno y libre concierto para solista de cuerda. Apollo vincit…
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(Vídeos atyafi03)

“It’ll shine when it shines”

2011-06-03T21:02:00.003+02:00

Después de la potente dosis de proteínas del Enescu, pasemos a degustar unas chuches.
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La asombrosa promiscuidad del rock no conoce límites ni estilos; en su insaciable sed de seducción llegó también a lo que podríamos considerar la base del folclore de Estados Unidos –al menos en los estados sureños-: el country.
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Este estilo, eminentemente rural, cuyo origen se remonta a la emigración europea, en particular irlandesa, supo arraigarse e hibridarse con otras influencias presentes en tan vastas tierras: el blues y el gospel. Dotado de una instrumentación cada vez más particular (armónica, banjo, dobro, violín, steel guitar, acordeón) se mantiene en forma más o menos pura todavía en amplias regiones, dando lugar a múltiples subgéneros.
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El rock maridó perfectamente con esas melodías danzantes aportándole poderío eléctrico en su puesta al día, lo que le supuso una mayor difusión fuera de sus ámbitos naturales, cuyo centro fue durante lustros Nashville, Tennessee, meca donde recaló en su momento el ínclito Dylan buscando sus raíces.
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The Ozark Mountain Daredevils es una de las mejores bandas de estricto country-rock nacida a comienzos de los setenta en Springfield –como los Simpsons- Missouri. Seis convincentes músicos que mezclaban en una misma foto el hippie rural, el lugareño hospitalario y el vaquero reconvertido, unieron el rock, pop y el country versión bluegrass en unos álbumes de gran belleza evocadora sin grandes pretensiones.
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Su segundo trabajo It’ll shine when it shines (A&M 1974) fue un ramillete de excelentes temas, donde, sobre ritmos cabalgantes, se respira la niebla ascendente de la montaña, los valles solitarios, el sol de la mañana, las estrellas del raso, la lluvia en el rostro, la casa en la colina, wishes, dreams, babies and homes… Una oda a la vida retirada.
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"Probably Allways Will", viaje interior (vídeo luaplladnar):
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"It’ll Shine When It Shines", melancólica melodía con cobertura de acordeón (vídeo tompetty832002):
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"Jackie Blue", su gran éxito (vídeo rwells47):
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"Look Away" , mirada eléctrica (vídeo rwells47):
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¡Que aproveche!

Enescu: OEDIPE

2011-05-27T14:00:00.002+02:00

“Il sera l’assasin de son père,
Et pour multiplier sa race meurtrière
Il sera l’époux de sa mère
Le frère de ses filles
Le père de ses frères”
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George Enescu (1881-1955), violinista virtuoso, compositor casi olvidado, dejó, en palabras de su discípulo Yehudi Menuhin, su alma en esta ópera: obra cumbre de su carrera y de todo el siglo XX. Veinticinco años de elaboración hasta su estreno en París en 1936, desarrolla el fundamental mito de Edipo, sobre un libreto en francés de Edmon Fleg basado en la tragedia de Sófocles, que recoge la vida del rey de Tebas, en sus cuatro actos: desde su nacimiento a modo de prólogo hasta su despedida de la vida en el Cuarto o epílogo.
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Siguiendo el gusto neoclásico de las primeras décadas del pasado siglo, retomando la mitología clásica, Electra, Ariadna, Penélope, Orfeo, Las Bacantes, Antígona… Enescu produce una ópera que, en su nobleza elevada, profundo lirismo, grandiosidad y trascendencia, deja relucir un sentido de modernidad. Es por la suntuosidad de su rica orquestación de claroscuros muy matizados, su eficaz cromatismo vital, la sutileza neoclásica de sabor orientalizante (sin duda de base folclórica rumana), y sobre todo por la profunda humanidad de sus personajes y la solemnidad de unos coros de heterofonía bizantina, por los que llega al fondo de la grandiosidad del mito.
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Acto I: en el Palacio Real de Tebas se celebra la fiesta por el nacimiento del hijo del rey Layo y de la reina Yocasta. El adivino Tiresias advierte del castigo de los dioses por la desobediencia del rey a la exigencia de Apolo de no tener descendencia: su hijo, Edipo, matará a su padre y desposará a su madre. Horrorizado el rey ordena a un súbdito que abandone al recién nacido en la montaña.
El oscuro preludio orquestal, con el tema del Destino, conduce a la sombría predicción de Tiresias, dejando en medio y de lado la fiesta helenística del coro, y la Danza de los pastores :

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vídeo cosman247
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Acto II. Este extenso y central acto se desarrolla transcurridos veinte años, en tres escenas diferentes.
La primera en el Palacio Real de Corinto, el joven Edipo, quien ha sido criado como el hijo del rey Polibio y la reina Merope, es conocedor por el oráculo de Delfos, de su trágico destino; decide abandonar Corinto para escapar de la maldición. Escena melancólica, sutilmente trágica.
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La segunda Escena presenta a Edipo ante un cruce de caminos, en dirección a Tebas. Estalla la tormenta presagiando la tragedia. Aparece el rey Layo en su carro, y en la discusión por el paso, Edipo mata a quien desconoce que es su verdadero padre. El pastor que en su día salvó al niño presencia aterrorizado los acontecimientos.
Musicalmente estamos ante uno de los momentos más inspirados de la obra: introducida por el arabesco de la flauta del pastor sobre un fondo de tormenta, (que nos recuerda al pastor-vigía del Tristán) Edipo desarrolla su monólogo in crescendo hasta la culminación en el asesinato en pleno arrebato tronante en la orquesta: "Est-ce dejà le roi?"
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La tercera Escena le sitúa ante las puertas de Tebas, donde habita la Esfinge y sus enigmas. Advertido de su crueldad y del premio para quien la someta: el trono tebano y la mano de la reina viuda Yocasta; Edipo se enfrenta al monstruo: ¿quién es más grande que el Destino? – El hombre es más fuerte. Derrotada, la Esfinge muere con una enigmática frase: “El futuro te dirá si la esfinge al morir llora su derrota o ríe su victoria”.
Un interludio irreal introduce musicalmente la escena en la cual Enescu es deliberadamente suntuoso y ensoñador en la orquestación, delicuescente según Halbreich, llegando al clímax con la muerte del monstruo y su grito sobreagudo sobre el sobrenatural sonido de la sierra musical (hoja sonora). "Je t’attendais"
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vídeo operazaile
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Acto III. Otros veinte años han transcurrido con Edipo como rey de Tebas, pero ahora la ciudad está sumida en la peste. Llegado de Delfos, Creonte el hermano de Yocasta, advierte de que la solución es encontrar al asesino de Layo quien todavía habita Tebas; Edipo le castigará con el exilio. El viejo Tiresias, apremiado por el rey, confiesa a éste su origen y su autoría. Cuando Yocasta le introduce en los pormenores de la muerte del antiguo rey, y el pastor declara que los reyes de Corinto no son sus verdaderos padres, Edipo comprende al fin… Yocasta se suicida, y Edipo se arranca los ojos. Apremiado por Creonte y los tebanos para que parta al exilio, tan solo su hija-hermana Antígona se ofrece para cuidarle.
Lamentaciones corales inician el acto más noble, hasta el momento cumbre del conocimiento de su destino, auténtico shock orquestal que da paso al largo monólogo impotente, que encuentra contraste en el lirismo de Antígona. coro "Hélas, hélas"
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vídeo cosman247
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"Reconnais-tu cet home?"
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Acto IV. Paraje natural a las afueras de Atenas, llega Edipo y su fiel Antígona. Éste reconoce el lugar de su última morada. Aparece Creonte y algunos tebanos para pedir al Edipo que retome el trono y salvarles del peligro que acecha de nuevo a la ciudad. Edipo rechaza exaltado el ofrecimiento, y cuando Creonte quiere llevarse a Antígona como rehén, llega el rey Teseo con un grupo de atenieneses. Edipo, finalmente, parte seguido tan solo de Teseo. hacia su muerte y transfiguración en medio del florido paraje, sobre el canto de las Euménides benévolas.
Musicalmente cercano a la atmósfera de Parsifal con sus ensoñaciones hasta el canto de inocencia del desdichado rey, para finalizar entre la majestuosidad orquestal en un clima sublime realzado por el coro de Euménides. "Adieu, douce Antigone"
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vídeo cosman247
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Todos los fragmentos musicales corresponden a la imprescindible versión de Lawrence Foster con la Filarmónica de Montecarlo y el Orfeón Donostiarra (EMI 1989) con un reparto de infarto: José Van Dam, Brigitte Fassbaender, Barbara Hendricks, Marjana Lipovsek, Nicolai Gedda, …
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Fascinante Mito, Extraordinario Músico…

J Brahms: Doble o nada

2011-05-20T20:01:00.005+02:00

La larga amistad entre Joseph Joaquim y Brahms se había enfriado notablemente a causa del divorcio del primero. A modo de reconciliación el compositor le dedicó (esos son amigos) su Concierto Doble para violín, violonchelo y orquesta en la menor op. 102 que fue la última obra concertante escrita por nuestro hombre de Hamburgo. Estrenado en 1887 por el célebre violinista Joaquim, el violonchelista Robert Hausmann, y con el propio Brahms en el podio, su elaboración es deudora del Triple Concierto de Beethoven (violín, violonchelo, piano)
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Obra extraña a la instrumentación romántica, engloba sin embargo todo el universo brahmsiano: la nebulosa intimidad llena de sombras, y la extroversión popular, jovial pero siempre noble. El diálogo y la disputa continuos entre las dos cuerdas solistas son un regalo para el oído y también para la vista, y se convierten en dos ases en la manga del compositor.
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I. Allegro: la orquesta nos enseña una muestra del soberbio primer tema antes de que el violonchelo se presente con una larga cadenza. El tema contrastante, más ligero, introduce al violín, que se abraza al violonchelo. A partir de ahí, la orquesta ataca el opulento primer motivo de forma completa y amplia, dejando el desarrollo del movimiento en manos de los solistas… David Oistrakh, Mtislav Rostropovich, Kiril Kondrahin (vídeo EspaceArtPluriel):
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II. Andante: la trompa da pie a los solistas para presentarnos el evocador primer tema de este movimiento bipartito, muy brahmsiano. El segundo, profundo y lírico, entra en las maderas como un coral, y se completa en las voces de los solistas. El retorno a la primera parte marca el final del movimiento… (vídeo EspaceArtPluriel):
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III. Vivace Non Troppo: de nuevo dos motivos y una idea central. El inicial, muy vivo, jovial, de aromas gitanos, nace en el violonchelo. El segundo, más corpóreo y noble, también surge del chelo, siendo el perfecto contrapunto al sabor popular del primero. En el desarrollo, el virtuosismo de los solistas alcanza su clímax… con los mismos solistas, pero con el gran George Szell y su Orquesta de Cleveland, en una sensacional versión en estudio (vídeo shellac1925):

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Día das Letras Galegas 2011: LOIS PEREIRO (1958-1996)

2011-05-17T07:54:00.003+02:00

foto: Vari Caramés

A voz máis lírica do nihilismo dos oitenta. O poeta secreto.
Un tráxico expresionismo dende a dor coporal ao compromiso xeracional.
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Pero mellor deixemos que se presente el mesmo:
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Lois Pereiro, DNI 14248884, nado en Monforte de Lemos o 16 de febreiro de 1958- Trinta e tres anos. Fillo de Manuel Rodrigo e Inés. Cabelos castaños-roxizos e algúns brancos. Ollos verdes ou grises, segunda a luz.
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Extrema delgadeza, pómulos pronunciados, rostro longo e estreito. Nariz longo e lavres finos. Ollada inquedante e sombría.
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Potencialmente perigoso, quizais só para si mesmo, e por ese motivo, tamén para o sistema. De tendencias libertarias, pero sen ideoloxía concreta ou definida. Polo de agora a súa obra é case exclusivamente poética, publicada en antoloxías ou revistas e distintas publicacións.
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Os libros De amor e desamor I e II, unha antoloxía poética de ámbito estatal: Después de la modernidad. Poetas españoles en sus lenguas territoriales, de Julia Barella, e outros libros antolóxicos ou conmemorativos coma o de poemas premiados en tódalas edicións do Concurso de Poesía O Facho, etc?
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A súa poesía manifesta a presencia do alento atlántico, pero sen alonxarse da Galicia interior, dentro da fonda tradición palpable nos bosques do Incio, de onde procede a súa familia, e forma parte da «patria da súa infancia».
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Recolle as influencias asumidas e mitificadas de autores como Ezra Pound, Yeats ou Dylan Thomas.
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Lois Pereiro define a súa loita co proceso de creación como «unha caída de si mesmo, un internamente no abismo, para logo reconstruírse, unha aprendizaxe en loita contra o insomnio».
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«A poesía -dicía Conrad- é coñecer o Ser no fracaso».
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Deixa un bico no espello
Onde arde a miña sombra pola noite
E que podrezan xuntas
A imaxe da túa ausencia,
Silueteada en roxo cos teus lavres,
E o perfil violento do meu soño
Que enxendra amor gris fume
Un odio carmesín
E na lengua e nos dentes
Sangue e semen
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Atrocity Exhibition
“Poemas 1981-1991” (Edicións Positivas 1992)
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Da súa derradeira e máis persoal colección “Poesía última de amor e enfermidade 1992-1995” (Edicións Positivas 1995):
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Esvaise a dor e chega o soño

Agora creo que xa podería
pasear entre espíritos alleos
sen pisar os seus soños máis secretos.
Xa non sinto aquela dor inmóbil
que antes habitaba nas miñas noites,
despertando a unha das horas máis escuras
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sendo consciente de que o día seguinte
non me traería nada moi distinto
do fracaso que me ía derretendo
co lume do inferno no que vivía.
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Namorado outra vez
do amor que levo dentro
a sede enfurecida dun futuro
esgotou as miñas alternativas
levándome dereito cara ó impacto:
un proxectil conxelado no aire
a poucos metros dun corazón frío
e agardo o menor signo de calor
para abrir a súa pel e entrar no sangue
vencido pola forza do desexo
cegamente e sen medo
ó posible desastre.
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Tristemente convivo coa túa ausencia
sobrevivo á distancia que nos nega
mentres bordeo a fronteira entre dous mundos
sen decidir cal deles pode darme
a calma que me esixo para amarte
sen sufrir pola túa indiferencia
a miña retirada preventiva
dunha batalla que xa sei perdida
resolto a non entrar xamais en ti
pero non á tortura de evitarte
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Poesía fieramente humana, como o epitafio que el mesmo elixiu:
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"Cuspídeme enriba cando pasedes
por diante do lugar onde eu repouse,
enviándome unha húmida mensaxe
de vida e de furia necesaria".

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (3)

2011-05-13T20:00:00.000+02:00

Concierto de Brandemburgo n.3 en Sol mayor para tres violines, tres violas, tres violonchelos y continuo BWV 1048: en este tercer concierto JS Bach nos propone un juego de cuerdas en diálogo rítmico, una exploración de la sonoridad de la cuerda: su densidad, esa es la palabra. Utiliza este grupo instrumental de la orquesta formando 3 coros de violín, viola y violonchelo para conseguir un efecto de potencia y plenitud arquitectónicas sobre las que cimentar la perfección de la forma: La Armonía de las Esferas.
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La obsesión por los números, la simbología del 3 y sus múltiplos, lleva a Philip Pickett a hablarnos de un concierto astrológico, desde la Trinidad hasta las Nueve Musas.
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El primer movimiento, sin indicación de tempo, es tripartito en forma da capo, en la cual el retorno a la sección inicial deviene más amplio y con contratema asociado. Con el añadido de algunas partes de viento fue utilizado en la Cantata BWV 174
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El Adagio intermedio se compone de tan solo dos acordes de una cadencia frigia, sobre la que puede improvisar una voz de violín, o merodear el clave del continuo en bellas figuraciones.
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El Allegro final resulta una danza binaria que transita, de forma fugada en animado ritmo, entre las secciones de la cuerda, para mantener las esferas en perpetuo movimiento.
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Aquí lo tenemos en la versión del Concerto Italiano dirigidos por Rinaldo Alessandrini (vídeo HARMONICO101):

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ya no hay maderas ni cobres...

Chicago: la Banda

2011-05-05T21:30:00.001+02:00

"Evocación:

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El acceso hacia el patio de manzanas era a través de un portalón tan ancho como alto, ligeramente en pendiente. Su apariencia oscura no invitaba a recorrerlo, salvo que ese rito de paso fuese estrictamente necesario.
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A mitad de su recorrido, a mano derecha subiendo, se insinuaba un lóbrego portal, diminuto, única entrada a un edificio de viviendas de cuatro plantas; en la última vivía mi primer amor: platónico y breve.
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Al fondo, entre verdes de algún frutal y una pequeña huerta, el paso se cerraba con una pequeña y humilde casa, cuyo bajo ocupaba un taller de carpintería que animaba, con su continua labor, la vía sin salida.
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A su izquierda nacían unas estrechas y empinadas escaleras, cuyo número no recuerdo. En su penúltimo escalón solía sentarse mi amigo durante los meses de buen tiempo. Allí me lo encontraba mañana y tarde, con su largo pelo lacio, su aspecto bohemio y mirada inteligente, algún libro entre las manos y un reproductor de cassettes, blanco, sencillo, básico, reposando sobre el rellano del balcón al que daban las dos puertas de su vivienda.
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De entre el escaso pero selecto catálogo de obras musicales que extendía a su lado, sonaba con frecuencia la sexta entrega de una banda con nombre de ciudad: Chicago.
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Después de demasiados años, todavía recuerdo la dulce melodía pop del tema “Just You ‘N’ Me”, y a mi amigo esperando… allí, en lo alto."

La Chicago Transit Authority, que así se llamaron originalmente, se formó en el entorno de la Universidad DePaul de Chicago, con excelentes músicos de amplia formación académica. Siguiendo la estela de Blood, Sweat & Tears, promovieron la introducción de una sección de metales en un grupo de rock, dando origen a lo que se denominó ampulosamente Big Bands de Rock (JE Berendt)
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Peter Cetera, bajo, voz
Terry Kath, guitarra, voz
Robert Lamm, teclados, voz
Lee Loughnane, trompeta
James Pankow, trombón
Walter Parazaider, saxo, flauta
Danny Seraphine, batería
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Esa era la formación original de Chicago, la banda de los álbumes con ordinales romanos (ya van por el XXXII), la banda de las portadas con su logotipo en diferentes fondos y marcos. Se les asocia frecuentemente con el jazz-rock, pero más bien deberían considerarse un grupo de pop-rock progresivo, experimental, con sección de viento dedicada (trombrón, saxos, trompeta, flauta). Partiendo del R&B recorren tugurios de Jazz urbano, flashes de Funk discotequero, ritmos calientes importados y suaves baladas caprichosamente almibaradas.
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La gran potencia creativa, en forma de amplias suites muy desarrolladas, se manifiesta en sus primeras obras, que parten desde finales de los sesenta hasta mediados los setenta. Formidables a nivel compositivo (Lamm, Pankow, Kath) y arrolladores en su interpretación, todo en la banda es descomunal: sus primeros tres álbumes son dobles elepés; el cuarto, cuádruple. A partir de ahí, su carrera se estandariza, entrando en una vía menos experimental, más comercial y suave, logrando con su balada “If You Leave Me Now” entrar en todas las casas y en algunos corazones… pero ya no eran lo mismo.
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De esas primeras producciones repasemos algunos de sus incontestables éxitos:
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The Chicago Transit Authority: “Questions 67 & 68” (video JamesisMyNamo)

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Chicago (II): “25 Or 6 To 4” (video Niffelhem000)
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"In Memoriam"
Chicago VI: “Just You ‘N’ Me” (video ChicagoKid1969)

DAPHNE: la bucólica tragedia de R. Strauss

2011-04-28T13:30:00.001+02:00

Apolo y Dafne - Jakob Auer (1645-1706)

¡Desgraciada Dafne!

¿Por qué te amó un dios?

Para su decimotercera ópera, DAPHNE, subtitulada “una tragedia bucólica en un acto”, Richard Strauss utilizó un libreto de Joseph Gregor que bebía directamente en la antigüedad clásica, concretamente en Las Metamorfosis de Ovidio, para describirnos los mitológicos amores del dios Apolo con la ninfa Dafne, en plena fiesta de Dionisio.

Esta ópera nos devuelve al Strauss más arrebatado y lírico, de inabarcable melodía, y de exquisito (y difícil) tratamiento vocal, principalmente femenino como era norma de la casa; al tiempo que una nueva manifestación de inmenso orquestador, de sonido irisado y sensual, de paleta generosa, muy en la línea de Die Frau ohne Schatten.

La obra fue estrenada en 1938 en Dresde bajo la batuta de Karl Böhm, director al que fue dedicada la partitura.

Los personajes principales corresponden a una soprano, Dafne, y dos tenores, Leukippos y Apolo, secundados por bajo y contralto como padres de la ninfa.

Arcadia, época de la mitología griega: Apolo desciende a tierra desde su carro del Sol durante las fiestas dionisíacas, se enamora de Dafne, pastora que solo ama la naturaleza, y mata a su rival humano, Leukippos, amigo de la infancia de Dafne. Arrepentido ante el sufrimiento de la joven y consciente de su mala acción, el dios envía a Leukippos al Olimpo, y transforma a Dafne en el sagrado Laurel, símbolo del amor eterno.

Aunque la obra no tiene un solo desmayo, destaquemos tres momentos mágicos:

La aparición de Dafne, feliz, purísima: (vídeo PopoliDiTessalia)

La disputa de los enamorados, dios y hombre, y muerte de Leukippos: (vídeo shawDAMAN)

La mítica transformación de Dafne en laurel, y la posterior Mondlichtmusik (música de luz de luna), auténtica opalina orquestal con la que termina la obra: (vídeo Barbebleue.i)

Los tres cortes en la portentosa interpretación de Hilde Güden (Dafne), Fritz Wunderlich (Leukippos) y James King (Apolo)

Schubert: tierna desolación en forma de Cuarteto

2011-04-21T16:00:00.002+02:00

- cinturón de Orión-

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Entre 1824 y 1826, tras unos años de profunda oscuridad y depresión, Franz Schubert dio vida a sus tres últimos Cuartetos de Cuerda: tres obras maestras del género.
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El Cuarteto n. 13 “Rosamunda” D 804 op 29 n.1 en la menor es un fiel reflejo de su período de abatimiento: destella una desolación fluida y aceptada, casi amable; alejada del dramatismo retorcido de su coetáneo “La Muerte y la Doncella” D810. Aquí todo fluye de forma pacífica, triste pero resignada…
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I. Allegro ma non troppo: dos temas se entrecruzan con momentos de batalla de contrastes: el primero nostálgico, desolador, vehiculado por el primer violín; el segundo, confiado, ingenuo…
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II. Andante: el tema principal, tomado de su ballet Rosamunda (de ahí el nominativo del Cuarteto) transpira ternura y desánimo, sombras en forma de variación. Dulce inquietud en una formulación purísima…
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Takacs Quartet (vídeo HARMONICO101)
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III. Menuetto: Allegretto: proviene del lied “Los dioses de Grecia” y quiere arrojar luz sobre la obra, pero en su tristeza no alcanza a traspasar una débil y humilde incandescencia de tungsteno; el trío intenta, sin conseguirlo, animar el movimiento con su sabor popular…
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Quartetto Italiano (vídeo Barbebleuei)
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IV. Allegro moderato: ¿contraste? ¿risa sardónica? en el fondo de sus animados y rítmicos temas subyace el negro color de la tribulación…

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (2)

2011-04-14T10:28:00.011+02:00

Concierto de Brandemburgo n.2 en Fa mayor para Trompeta en Fa, Oboe, Flauta de pico (dulce), Violín, cuerdas y continuo BWV 1047

Como el resto de la serie, sus tres movimientos pertenecen al gusto italiano, y posiblemente sea el más cercano al concerto grosso.

Aquí la paleta de colores se amplía de forma significativa y extravagante merced a una tímbrica deliberada y esperpéntica. Un auténtico concierto cuádruple donde la maestría contrapuntística de JS Bach hace dialogar de forma elocuente a los diversos solistas.

La trompeta en Fa simboliza la Fama, mientras, siguiendo la interpretación de P. Pickett, el violín es Homero, la flauta es Dante y el oboe, Virgilio (¡!)

I. Sin indicación de tempo (Allegro): dominio de un ritornello de alerta y avance oponiendo solistas y ripieno; sobre la fanfarria de la trompeta, en su registro más agudo, prolifera la promiscuidad en diversas formas y colores: violín solo, violín-oboe, flauta-oboe, oboe-trompeta…

II. Andante: desaparece el metal en un movimiento plácidamente amargo que abre el violín y procede en los otros dos solistas, sobre un walking bass…

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III. Allegro assai: fuga concertante cuyo tema, presentado en la trompeta, va saltando de las maderas a la cuerda solista en un frenesí festivo...
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Freiburg Baroque Orchestra

videos de SoliDeoGloria8550
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Nuevamente, mucho cobre...

Wishbone Ash: la magia del doble punteo

2011-04-08T08:29:00.001+02:00

Esta historia se remonta a finales de los sesenta cuando la base rítmica del grupo (Martin Turner, bajo; Steve Upton, batería) estaban buscando guitarrista para completar una nueva formación. Tras varias audiciones, fueron incapaces de elegir entre dos solistas, Ted Turner y Andy Powell, así que decidieron incorporar a ambos. Así nació la formación original de Wishbone Ash, cuna de su no menos original sonido: las guitarras gemelas. Dos guitarras solistas que no se limitan a repartirse los solos sino que intervienen a la vez, en una mágica armonía eléctrica; santo y seña del sonido del grupo.
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Si a esto le unimos que se trataba de una de las mejores parejas de guitarristas del rock anglosajón, a la altura de los mejores (Duane Allman/Dickey Betts - Jimmy Page/Jeff Beck) el resultado no podía ser ni siquiera mediocre.
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Su tercer álbum ARGUS fue todo un acontecimiento en 1972; con su inquietante portada del afamado diseñador Hypgnosis, resultó elegido por reputadas publicaciones de la época como el mejor álbum rock de ese año. Con el tiempo fue adquiriendo una pátina de disco legendario: una lección de composición (melodía, ritmo, armonía) y virtuosismo instrumental; imaginación sobre cuerdas tensadas y amplificadas.
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Aunque la doble solista marca el sonido del grupo, no conviene olvidar tanto la calidad del bajista, con una presencia inmensa, como la elaborada composición de los temas, de aromas folk, que adquieren el marchamo de himnos de carácter épico, por su propia prestancia y dinámico desarrollo.
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Throw Down the Sword

Inicio en un sencillo riff de una guitarra, al que se le une la segunda in crescendo, ensalzando la sensación de círculo cerrado de apariencia casi canónica, mientras se agiganta el redoble de caja hasta llegar al primer plano; momento en el cual el riff avanza y se desarrolla, y da entrada, tras un pequeño puente de acordes realzado por la potente línea de bajo, a la heroica melodía que cobra vida en la parte alta mientras se doblan las voces. Al final toman el mando las guitarras, que en cordial rivalidad se superponen y muestran la magia del doble punteo: (vídeo Avixz)
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Sometime World

Paradigmático tema wishboniano: comienzo melódico de base acústica, adornado por un delicado punteo eléctrico; para ir adquiriendo magnitud en la línea del bajo, acelerando el ritmo, y electrificando el ambiente, en un estribillo marchoso y unas guitarras desatadas: (vídeo riversend21)
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Leaf And Stream

Balada de tintes crimsonianos, delicados, melancólicos, sobre un colchón de acordes eléctricos, con tristes aderezos casi jazzísticos: (vídeo zosimfr)
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Disfruten de esta mítica banda británica, con toda la frescura y el empuje del mejor rock anglosajón en su mejor época…

El Gran Formato de R. Schumann

2011-03-31T12:21:00.001+02:00

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Y azules centellas arden

en cada hoja y raíz,

y luces rojas corren

en loco y enmarañado círculo

...

-Dichterliebe- H. Heine

El amor de Clara Wieck y Robert Schumann fue digno de una época, el Romanticismo: l’amour fou. Contra viento y suegro, en 1840 hubo matrimonio; un año más tarde un fruto musical: la Fantasía para piano y orquesta, que tras su inicial fracaso, se completó con dos movimientos más para convertirse en el Concierto para piano y orquesta en la menor op.54, estrenado en Dresde en 1845, con Clara al piano.

Schumann fue siempre un miniaturista de la composición, pero a instancias de su esposa y algunos colegas y amigos (Mendelssohn, Schubert), paulatinamente se fue acercando al Gran Formato orquestal. Incapaz, según reconocía, de escribir una obra para virtuosos, la especial sensibilidad de Schumann nos legó una obra intimista, con un lirismo arrollador, pero de pasión recogida, en el que el solista dialoga con la orquesta sin predominios: un amor clásico, una obra de pareja. Como dejó escrito Clara “un concierto rico en invención, lleno de frescura y perfectamente cohesionado”

Sin desbordamientos técnicos gratuitos y vacuos en el teclado, y sin una orquestación apabullante, todo se dirige, y consigue, una espontaneidad, una claridad de sentimientos y una musicalidad portentosa. Una música grande para un sentimiento íntimo. Una obra maestra, que pasamos a escuchar desde la Gewandhaus de Leipzig, con la gran Martha Argerich y Riccardo Chailly a la batuta (vídeos HDvideocollections )

I. Allegro affettuoso: tras el brusco inicio del solista, de inmediato aparece la melodía del tema principal en el oboe y la trompa, los cuales la traspasan al piano para que éste la extienda desde el allegro al appassionato pasando por el andante espressivo, añadiendo motivos secundarios en el diálogo con la orquesta, como una variación, como un círculo:

II. Intermezzo –Andantino grazioso- : esta delicada y sencilla joya camerística comienza con un elocuente y juguetón coloquio entre solista y orquesta, con notas picadas, hasta que la entrada de los violonchelos anuncian la cálida melodía schumaniana. Al final, las maderas evocan el tema del movimiento anterior para, sin solución de continuidad, atacar el finale:

III. Finale –Allegro vivace- : aparece el Schumann más brioso, desplegado en dos temas principales, donde el contraste se objetiva en el tratamiento del ritmo, ingeniosamente entrecortado; movimiento falsamente proteico, poesía de verbo rotundo:

Robert Schumann, el poeta del norte: el mejor traductor a música de la inmensa sensibilidad de la poesía.

Zemlinsky (VII): “SAREMA”

2011-03-24T10:35:00.003+01:00

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“que quede escrito con lágrimas en el polvo:
he osado vivir y amar”

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Alexander Zemlinsky, una personalidad entre la tradición y la modernidad: compositor, director y maestro de maestros, “su terreno es la ópera” (Werfel)
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Su ópera prima se debe, en gran medida, al concurso convocado en 1893 por el Príncipe Regente Luitpold de Baviera para premiar una nueva ópera alemana. Un joven Zemlinsky de 23 años, presentó al concurso Sarema, Die Rose vom Kaukasus basada en la obra teatral homónima de Rudolf von Gottschall, con la que alcanzaría el segundo premio, logrando varias representaciones. En 1897 fue estrenada en Munich, y en 1899 en Leipzig, luego desapareció de los programas hasta 1996, año en el cual se repuso en Tréveris.
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La obra, de alcance histórico y político, narra hechos todavía de actualidad: las luchas de ocupación y liberación de los pueblos caucásicos, en concreto la guerra ruso-circasiana (1863-1864) y la consiguiente anexión de Circasia al imperio zarista. Toda una epopeya personificada, y dramatizada, en el papel de la heroína, vencida por la utopía del amor.
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Ópera arrebatada, lírica y épica, ejemplo de las precoces dotes orquestales de Zemlinsky: todo el colorido y la máxima expresividad como señas de identidad de su magistral orquestación. Todavía lejano al lenguaje más personal y expresionista de sus últimas óperas, retrata con gran intensidad el lirismo desgarrado de la protagonista, en la mejor tradición romántica alemana nacida con Weber; y a la vez, los momentos más épicos de la contienda, reforzados por un impulsivo, y wagneriano, coro. Partitura de gran pulsión dramática, de amplias líneas melódicas, con personajes muy bien caracterizados en una situación extrema. Como en la Norma belliniana, no hay salida… Sarema es el problema y la solución. Ella es la Rosa del Cáucaso, es la ópera entera.
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El papel central de Sarema, para una soprano lírica de amplio fiato, lírica-spinto, se acompaña con la distribución clásica de roles masculinos: el perverso barítono de emotivo fraseo, barítono verdiano, de Cherikov, y el tenor secundario, linfático, menor pero necesario, un lírico-dramático para el papel de Asslan; y cómo no, el bajo serio como Profeta.

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La única grabación comercial, ya descatalogada, es del año 1996; en ella destaca la idiomática lectura orquestal del húngaro István Dénes, y el convincente retrato de la protagonista a cargo de la soprano estadounidense Karin Clarke:
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Cherikov: Laszlo Lukas
Godunov: Nick Herbosch
Sarema: Karin Clarke
Amul Beg, el padre: Andreas Scheel
Asslan: Norbert Kleinhenn
Profeta: Jury Zinovenko
Orquesta y Coros: Trier Theatre
Director: István Dénes
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Acto I: en el campamento de los invasores rusos, el príncipe coronel Cherikov comenta con su capitán Godunov cómo salvó a Sarema de los cosacos durante la batalla de conquista. Ella, ahora, enamorada de su salvador vive con los enemigos de su pueblo, desgarrada entre su amor por el oficial zarista y la lealtad hacia sus hermanos y su patria. Asslan, un joven príncipe circasiano, todavía enamorado de Sarema, se adentra en campo enemigo para salvarla ante el inminente ataque de liberación de su pueblo. Tras hablar con ella, es detenido y sentenciado a muerte, pese a las súplicas de la joven. Sarema maldice su suerte, y decide volver con su pueblo “ayudadme a expiar, que el odio no triunfe sobre el amor”
Última escena “Kein Word der Gnade” :
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Acto II: en las montañas próximas, la tropa caucasiana es arengada por el Profeta (Imán). Llega Sarema para exigir una intervención inmediata, con el fin de salvar a Asslan. Siendo acogida con temor, odio y prevención, incluso por su propio padre ciego, tan solo el Profeta reconoce en ella la voluntad de expiar su crimen. Con la bandera de su pueblo en una mano y la espada de su padre en la otra, se pone al frente del ejército circasiano.
Comienzo: “Der du hoch in den wolken thronst” :
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Acto III: vencidos los rusos, Cherikov es hecho prisionero. Encadenado a sus pies, Sarema no soporta la visión derrotada de aquel que “nunca derramó una lágrima por ella”, y pese a la alegría de la victoria, tras liberarle, ella se quita la vida.
Escena final: “Frei bist du, Dscherikoff”:

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Pinturas: Franz Roubaud

“Six Concerts Avec Plusieurs Instruments” (1)

2011-03-17T07:59:00.002+01:00

Todo comenzó con una adquisición: en 1719 JS Bach se fue de compras a Berlín en busca de un clave para el Príncipe Christian Leopold de Cöthen, su patrono. Durante su estancia en la capital tuvo oportunidad de interpretar algunas de sus obras para el Margrave Christian Ludwig de Brandemburgo, quien le encargó unas partituras para su pequeña orquesta.
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En el tardobarroco el Concierto era la máxima y más popular forma de expresión musical instrumental, así que el 24 de marzo de 1721 Bach envió un manuscrito al Margrave conteniendo Seis Conciertos Para Diversos Instrumentos. Había estado revisando su obra concertística, compuesta para su orquesta de Cöthen, y de ella escogió aquellas partituras que consideraba más adecuadas para la ofrenda. Algunas piezas fueron recuperadas de antiguas obras y otras completadas para la ocasión; en ningún caso se trató de un ciclo nuevo.
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El taller-laboratorio de Bach funcionaba a jornada completa, y ya tenía suficiente fondo de armario al frente de la pequeña pero coqueta Orquesta de Cöthen para extraer una música fascinante, que parece nunca recibió los honores de ser interpretada por la de su destinatario.
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No fue hasta 1880 cuando Spitta, biógrafo de Bach, añadió la Marca del destinatario de tan bella música: Seis Conciertos de Brandemburgo BWV 1046-1051 (y así pasaron a la historia)
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Siendo uno de los mayores exponentes del Bach más secular, más cortesano, el gran valor de dichos conciertos, aparte de su belleza melódica y armónica, estriba en la variedad tímbrica e instrumental puesta en evidencia hasta límites casi insanos para la época. El color, las texturas, las combinaciones atrevidas de sonoridades, todavía nos sorprenden y por momentos nos suenan muy modernas. La sabia combinación de formas, del concerto grosso y el concierto solista se instala en toda la obra sin límites claros.

Concierto n.1 en fa mayor bwv 1046 para 2 corni di caccia, 3 oboes, fagot, violino piccolo, cuerdas y continuo
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Es el único de su estirpe que consta de cuatro movimientos y tiene ascendencia formal francesa. El origen del primero, segundo y cuarto movimientos se remonta a la Sinfonía de la Cantata de Caza bwv208 (1713) a los que Bach añadió un tercero.
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Una entrada triunfal, pompa y gloria, el triunfo de César según la interpretación simbolista de Philip Pickett, ennoblecida por el sonido, y la ceremonia, de la trompa de caza. Una obra vitalmente colorista en su juego de metales y maderas, desde el cobre al palisandro, y el efecto contrastante de la árida sonoridad del violín piccolo (una tercera más alto).
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Escuchemos la primera versión históricamente informada (como se dice ahora) que penetró mis oídos: The English Concert dirigidos por Trevor Pinnock (vídeos EuropaCandidus)
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I. (Sin indicación de tempo) (Allegro): comienza con la estrepitosa aparición de las trompas en solista, para alternarse y fundirse con los oboes, entre incursiones del ritornello, a un ritmo galopante.
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II. Adagio: desprovista de metal, Bach encarga una amarga melodía en canon en el oboe y el piccolo, con efecto tremolante, y cuyo final, entre silencios, pudiera tomarse como algo contemporáneo.
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III. Allegro: un concertado en el que reaparecen las trompas para decorar el palacio sonoro, entre las cuales flotan los violines en solistas, bajando y reposando en la cuna de las maderas, antes de remontar el vuelo; mientras el lucimiento en la fiesta corresponde a los solos del piccolo.
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IV. Menuetto - Trio I - Menuetto - Polacca - Menuetto - Trio II - Menuetto: suite de danzas con un atomizador minueto en el tutti que separa los dos tríos para viento, el primero para oboes y fagot, el segundo para trompas y oboes, y la danza polaca para cuerdas situada justo en su punto medio, y que nos retrotrae al origen del movimiento, pues el Elector de Sajonia era también Rey de Polonia.
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Unos Conciertos que merecen cada uno una pieza separada. Una música formidable, mi primera música culta. Amigos, esta música me pone a 110 (más, ahora no se puede)

Y Liszt destrozó la Sonata…

2011-03-09T20:43:00.002+01:00

Resulta suficiente nombrar su título, Sonata en si menor, para que el aficionado exhale un UFFF! abrumado por su monumentalidad de ambiente sinfónico, y el profesional exclame un UFFF! preocupado ante su virtuosismo y el ingente despliegue de tensiones, liberadas en la mayor obra pianística de Franz Liszt.
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Una partitura llamada a revolucionar, yendo dos pasos más allá, la sonata para piano, todavía deudora de Beethoven en ese período tan atractivo en el que el clasicismo se nos pone romántico. Y una dualidad contrastante que se evidencia en todos los aspectos de la obra:
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Dualidad virtuosismo – intensidad emocional: con inmensos contrastes de tempo y dinámica.
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Dualidad en la forma: manteniendo la estructura básica de la sonata clásica, ésta se desestructura en un todo continuo, como de un solo movimiento se tratase, en una denominada forma cíclica (M. Gallego)
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Dualidad tensión – relajación del continuo fluir sonoro, desde la solemnidad de sus temas hasta el más encendido romanticismo.
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Dualidad entre su tonalidad principal y la indeterminación tonal de toda la obra
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Dualidad de carácter: como el propio compositor, el hombre apasionado y el más místico. La lucha brutal de dos polos opuestos…
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Dualidad entre su consideración de música programática o "música pura".
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Dualidad del momento más sutil y poético hasta el más superficial y espectacular.
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Dualidad en su recepción por crítica y colegas: desde el aburrimiento de Brahms, la crítica adversa de Hanslick, o el gran elogio de Wagner.
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Dualidad entre las raíces beethovenianas y su consideración como música nueva, en sentido despectivo (sí, ya por entonces estaban en eso)
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Dedicada a Robert Schumann en 1853, por entonces ya ingresado en Endenich, con todo el genoma del Beethoven más percutivo e influida por la Fantasía Wanderer op 15 de F. Schubert, la Sonata en si menor se construye sobre cinco temas principales, tratados y repetidos en distintas tonalidades, manteniendo la clásica subdivisión en Exposición Allegro energico – Grandioso -, Desarrollo –del Presto al Quasi Adagio- y Conclusión-recapitulación, con vuelta al tema principal tras el fugato. Sin pausas ni respiraciones entre sus partes se podría considerar una completa variación de un solo motivo (C. Arrau), abriéndose y cerrándose en el Lento assai…
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Con esta grandiosa partitura que ronda la media hora de duración, Liszt evolucionó la sonata para piano, consiguiendo, a la vez, una sensación de sonido orquestal por sus inmensas escalas y saltos de octavas, no solamente como mero adorno, sino como proceso constructivo.
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Otra característica muy peculiar de esta obra es su cualidad de dejar muy abierta su interpretación, lo que nos permite, como oyentes, disfrutar de todos y cada uno de los muchos y variados acercamientos que han hecho, y hacen, los grandes pianistas: desde la poesía colorista de Arrau, la fogosa impetuosidad de Argerich, la nacarada nobleza de Bolet, la magia de Horowitz, la elegancia de Kissin, la voluptuosidad virtuosística de Yundi Li, o el sinfonismo de Zimerman. De éste último, una de las que más me gusta, escuchemos un extracto del comienzo de la obra (en youtube pueden disfrutar de la obra completa); al tiempo que lo contrastamos con la tórrida versión de Nicholas Angelich de hace un par de años en París.
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Krystian Zimerman -vídeo fitetu1980-
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Nicholas Angelich -video Barbebleuei-

Cuarta de Brahms: “umbrosa caminata”

2011-03-02T21:46:00.004+01:00

Caminante, son tus huellas

el camino y nada más;

Caminante, no hay camino,

se hace camino al andar.

...

-Antonio Machado-

La Sinfonía N. 4 en mi menor op98 de J Brahms, estrenada por el propio compositor en 1885 con la orquesta de Meiningen, con la presencia de un joven Richard Strauss, fue un rotundo éxito.
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Su última obra sinfónica recrea un auténtico paseo en solitario por los parajes, casi siempre sombríos y brumosos, del compositor de Hamburgo; una trágica marcha hacia adelante, una caminata por la vida…
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I. Allegro non troppo: el tremendo impulso inquietante del primer tema en los violines rompe la inercia del viajero precipitándole camino abajo, hacia lo desconocido; hacia la melodía de las violas, oscura y triste.
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II. Andante moderato: tema legendario en las trompas, recogido en el clarinete con las cuerdas en pizzicato, a modo de marcha lenta, sin prisas, rememorando. El paso se apresura en el segundo tema de las cuerdas, al tiempo que se oscurece el paisaje, bajo un bosque de caducas, para retornar a la llamada ancestral de la trompa y agotarse en los timbales.
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III. Allegro giocoso: en el falso scherzo todo se anima, entran piccolo y triángulo, el clima se hace acogedor, de sabor popular, mientras parece brillar el sol sobre un sendero que se hace fantástico. Reaparece la quietud y el follaje con las trompas, de un modo misterioso…
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IV. Allegro energico e passionato: una portentosa chacona preclásica en estilo trágico, rotundo y hermético; con el añadido de los trombones, los metales presentan el tema de la cantata bachiana bwv150, y se lo entregan a las maderas brahmsianas para evolucionarlo en más de treinta variaciones de instrumentación cambiante y rica: la variación progresiva (tan cara a Schönberg). Brahms nos lleva de excursión, una vez más, de la mano de JS Bach, a través del ser humano y su propia variación (evolución)
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Los vídeos, de abbjorko, pertenecen a la interpretación de la Orquesta del Estado de Baviera bajo la dirección del genial Carlos Kleiber: siempre un muestrario de elegancia en el fraseo, pulcritud estilística, juego de dinámicas, claridad de texturas,… y las más altas cotas de emoción artística.

Su lectura para DG con la Filarmónica de Viena es sencillamente magistral.

Lachenmann ó el Sonido

2011-02-24T15:01:00.005+01:00

Helmut Lachenmann (Stuttgart, 1935) constructor o poeta del sonido, discípulo de Stockhausen y de Luigi Nono, representante destacado de la música concreta instrumental, acaba de ser galardonado con el III Premio “Fronteras del Conocimiento” de la Fundación BBVA.
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Según el jurado: Lachenamnn tiene la capacidad de imaginar un sonido y saberlo representar. Reconoce la dificultad de su obra a la hora de ser recibida por el público, porque su música está compuesta no solo para captar la sensibilidad sino también la inteligencia. A partir de un conocimiento profundo del pasado musical, han ensanchado el mundo de los sonidos durante los últimos 50 años como no lo ha hecho ningún otro compositor contemporáneo.
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Para conocer mejor al personaje, reproduzco aquí parte de su pensamiento a través de sus propias palabras en diversas entrevistas:
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"Para mí, componer es una aventura que te lleva a descubrir nuevos paisajes sonoros con sus propias leyes. Por eso, muchas veces me considero más un constructor que un poeta. Por eso no me siento cómodo cuando me llaman poeta del sonido, porque un poeta nunca controlará del todo lo que hace"
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“El arte no debe ser puro entretenimiento ni debe degustarse como si se tratara de un producto gastronómico”
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”La música nos hace recordar que tenemos un espíritu creativo, que encuentra siempre ante sí un horizonte que debe superar. No se trata de hacer siempre aquello a lo que estamos habituados, sino ser capaces de llegar más allá de nuestras experiencias conocidas. Para mí la idea de la música tiene que ver con la aventura: del espíritu, de la fantasía y de la consciencia”
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“El arte no es una aventura comercial, sino conmovedora. La música nos tiene que tocar, que emocionar. Más no se puede decir. Que cada compositor saque de ahí sus consecuencias”
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“La función del arte es la de irritar, un precepto que mi música ha cumplido a lo largo de su trayectoria, pero sin perseguirlo. Hace falta reflexionar antes de irritar”
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“Tenemos que salirnos del viejo concepto de la música marcada por la tonalidad y adentrarnos en la aventura del arte. Mi música tiene su propio idioma. No quiero decir que me sienta orgulloso de eso –sería ingenuo por mi parte-, sino que considero que he tenido suerte por los descubrimientos a los que he llegado. He podido hacer mi labor contra muchas resistencias, externas e internas, que también las he tenido porque yo no he crecido con esta música. No hay que sentirse orgulloso sino gratitud por lo alcanzado”
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“No se trata de inventar o construir nuevos sonidos, lo que yo he tratado es de crear nuevos contextos. Son ellos los que provocan que suenen de distinta manera”
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“No me siento a escribir pensando en revolucionar. A mí me gustaría, como le pasó a Beethoven, seguir trabajando en la búsqueda de nuevos horizontes”
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“Mi historia está hecha de provocaciones y de pequeñas revoluciones”
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“No soy contrario a la belleza pero sí a la idea estandarizada que se difunde, gente joven, sana, bronceada...”
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“Puedo parecer un poco arrogante al decir esto, pero yo quiero buscar y encontrar la belleza, que para mí está en la intensidad, en la credibilidad, en la pureza…”
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Compositor complejo, difícil, radical, que experimenta siempre en la frontera misma entre la música y su materia prima en bruto, junto con el silencio: el sonido. Mejor escuchar su propuesta, merece la pena el esfuerzo… al menos durante un rato.
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Un fragmento de Ausklang para piano y orquesta:

vídeo vonklingelfeld

Laudate pueri, RV 602

2011-02-17T16:00:00.008+01:00

Vuelve Antonio Vivaldi al Castillo; no con sus maravillosos Concerti, que no son siempre el mismo como difaman los antivivaldianos, ni con sus extraordinarias Óperas, en plena ebullición discográfica. Vuelve con otra de las columnas que sostienen su legado musical: la Música Sacra (que para eso era cura, aunque rojo)
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La mayor parte de su producción sacra (más de cincuenta obras) fue escrita para el Ospedale della Pietà entre 1713 y 1719, años en los que dicha institución estuvo sin Maestro di Coro titular. Una suerte para los vivaldianos pues la producción periódica para dicho Centro fue encargada, en gran parte, a Don Antonio, quien llenó el vacío de titularidad con una obra variada, rica, amena, solemne pero nada eclesiástica, buscando la sacralidad en la alegría y la felicidad; emotiva y luminosa como todo su opus.

Laudate pueri RV 602 para dos sopranos, coro, doble orquesta de cuerda y oboe, y doble continuo en La Mayor, es una obra que corresponde a este período; basado en el Salmo 112, se trata de un gran da capo. Un buen ejemplo de vitalidad, claridad y luz, una pieza soleada; sagrado en el sentido más secular ¡toma ya!.

Sus cuatro primeros números:

- Laudate pueri: comienza con las dos orquestas en eco que introducen a las dos sopranos respondiéndose; presentando hacia el final el tema principal – sit nomen Domini- en el precioso coro homofónico, que dará continuidad a toda la obra, a modo de Antífona.

- A solis ortu: la soprano nos canta al amanecer en el más puro contrapunto y el mayor virtuosismo; el momento solar.

- Excelsus super omnes: unido al Quis sicut Dominus, es el punto cenital del Salmo. La solemnidad de su dulzura melódica se realza sobre un ritmo de barcarola. Puro Vivaldi, pura Venecia...

Ahora vamos a escucharlos en dos versiones tan diferentes como bellas:

La primera, plenamente historicista, con instrumentos barrocos:
Carolyn Sampson (soprano I)
Joanne Lunn (soprano II)
The King's Consort
Robert King

vídeo RachelPortman
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La segunda, clasicista, no diría yo romántica, con cuerdas modernas:
Margaret Marshall (soprano I)
Felicity Lott (soprano II)
John Alldis Choir
English Chamber Orchestra
Vittorio Negri

vídeo Babebleuei

Black Dub 2010

2011-02-10T18:16:00.007+01:00

En los últimos días he estado revisando algunas listas de novedades discográficas del pasado año en el proceloso mundillo del rock anglosajón, en sentido amplio. Uno de los grupos cuyo sonido atrajo enseguida mi atención se llama Black Dub; no por su novedad estética o su personal trabajo, sino más bien por verter sonoridades conocidas y atractivas para quien suscribe.
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Conociendo la formación del grupo se entiende el efecto. Al frente, con su guitarra, el músico y famoso productor Daniel Lanois: célebre por sus trabajos con Peter Gabriel, Brian Eno, U2, Neil Young, y sobre todo por ser el artífice, en cierta medida, de la resurrección de Bob Dylan con su obra “Time out of Mind” (1997), hecho por el cual le estaré eternamente agradecido. La sección rítmica es de vital importancia y de total garantía; dos curtidos y eficaces colaboradores de Lanois: Brian Blade, excelente batería de sesgo jazzístico, y Daryl Johnson, versátil bajista. Gente del sur. En el escaparate, la joven Trixie Whitley, multi-instrumentista de voz colorida y emotiva, que promete en cuanto madure pero que cree en lo que hace.
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Nuevo grupo, primer álbum. Desde el estudio-residencia de Lanois, con su habitual derroche de conocimientos y medios, el resultado obtenido es sencillo, directo, sin grandes dosis de post producción; rico en sonidos de raíz clásica de música negra americana del pasado siglo: soul, gospel, blues, funk, rock… muy ecléctico y funcional, cuajando algo honesto y reconocible. También se nota, y cómo, el típico sonido lanoisiano: muros de teclados de soporte, brillos resbalosos de guitarras, ambiente calmo, atmósfera sensual, calor y color…
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Escuchemos algunos temas filmados durante las sesiones de grabación en su particular Castillo.
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“Nomad”: r&b con ritornello

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“Ring the Alarm”: puro lanoisismo
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Ahora en directo, “Surely”: una balada blues, de vocalidad gospel:

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vídeo coolshamany
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De propina un ensayo del clásico “I’d rather go blind”, no incluida en el disco, en versión light y esquelética, con Lanois de conductor…
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vídeo scifisteel
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Veremos cuánto dura esta nueva aventura del atareado Daniel Lanois…

Seis Adagios

2011-02-03T15:47:00.002+01:00

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Tal como al fin el tiempo lo transforma en sí mismo,

el poeta despierta con su desnuda espada
a su edad que no supo descubrir, espantada,
que la muerte inundaba su extraña voz de abismo.
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- Stéphane Mallarmé-
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Es muy posible que la contribución más decisiva de Dmitri Shostakovich (1906-1975) a la música del siglo XX no hayan sido sus populares Sinfonías, ni tan siquiera su extraordinaria ópera Lady Macbeth de Mtsensk; pienso más bien que ha sido, fue, el aggiornamento del más puro y elemental género: el Cuarteto de Cuerda.
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No solo por su contribución a la evolución de las cuatro cuerdas, con Beethoven siempre como referente ineludible, en la síntesis de las mejores escuelas rusas; sino también por su ecléctico y personal idioma musical donde tienen cabida la gran tradición coral ortodoxa o el más desgarrado cromatismo, hijo de Schönberg.
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Su último Cuarteto Nº15 en Mi bemol menor op 144 escrito en 1974 es una auténtica reflexión sobre la muerte, que deriva en un réquiem ¿por él mismo? en una suspensión del tiempo como magnitud física. Fue estrenado en Leningrado por el Cuarteto Taneyev pocos meses antes de la desaparición del compositor.
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Se estructura en seis movimientos, Elegía – Serenata – Intermezzo – Nocturno – Marcha Fúnebre – Epílogo, todos en Adagio, y todos en la tonalidad principal, los cuales en su sobria austeridad transmiten una profunda melancolía no exenta de paz.
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Primer movimiento, Elegía: superado el tiempo, aparece la eternidad: la ausencia de todo cambio o progresión. Comienza en una fuga sombría, como un coral de órgano, que se mueve entre los cuatro atriles y que, en su estatismo, nos suspende en un estado sin coordenadas; da paso a un segundo tema emparentado, mitad tranquilo, mitad desasosegante, para terminar retomando el sujeto inicial en un fugato teñido de cromatismo. El propio compositor dejó instrucciones para su ejecución: “debe ser interpretado de tal manera que las moscas caigan muertas al suelo, y que provoque que la audiencia vaya abandonando la sala, de puro tedio” . Devastador.
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Una Música sencilla, nada fácil, pero hondamente hermosa: Cuarteto Emerson (Videos de ShartanX) :

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¿Queda alguien ahí? ...

fotografía: tumba de Shostakovich en Novodévichy, Moscú.

De la Naturaleza a la Trascendencia

2011-01-27T07:55:00.001+01:00

(nebulosa del cangrejo)

¡Oh, Hombre! ¡Presta atención!

¿Qué dice la profunda medianoche?

¡Yo dormía!

¡Me desperté de un sueño profundo!

¡El Mundo es profundo!

¡Y más profundo de lo que el día recuerda!

¡Oh, Hombre! ¡Presta atención!
¡Profundo es tu dolor!
¡El placer es más profundo aún que el sufrimiento!
El dolor habla ¡Desaparece!
Más todo placer quiere Eternidad,
¡Quiere profunda, profunda Eternidad!

- F. Nietzsche -
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Este texto de Así habló Zaratustra fue el utilizado por Gustav Mahler para poner la voz humana al cuarto movimiento de su Tercera Sinfonía en Re menor: lo que me cuenta el hombre. Punto intermedio del relato cosmogónico emprendido en su grandiosa obra en seis movimientos: “la construcción de un mundo”; desde la Naturaleza inanimada, generadora de vida, hasta el místico final en la pura Trascendencia: lo que me cuenta el Amor.
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El Amor entendido por Mahler como el dios supremo, en un sentido religioso y moral, en una especie de panteísmo sinfónico. A través del Arte late la ansiedad del ser humano por la trascendencia, la eternidad, la disolución en el todo…
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El comienzo, un caos originario sometido a los elementos:
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I. Despertar de Pan : en la llamada de las ocho trompas (el estado natural en el lenguaje romántico), y su fecundación vital que inicia una constante marcha incansable y primigenia conducida por la salvaje omnipresencia de los metales (entrada del verano): El Inicio de Todo, en la versión de Jascha Horenstein 1970 con la London Symphony Orchestra (vídeo Barbebleue)

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Siguiendo los peldaños intermedios:
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II. Lo que me cuentan las flores del campo: en un delicado minuetto de “música despreocupada” (Mahler)
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III. Lo que me cuentan los animales del bosque: el scherzo bromista con canto de pájaros y corno de postillón. “Mi música no es más que el ruido de la naturaleza”
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IV. Lo que me cuenta el hombre: un lied orquestal de medianoche, misterioso, profundo y grave, en la más baja tesitura femenina.
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V. Lo que me cuentan los ángeles: canto celestial coral del Wunderhorn.
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Subiendo hasta el plano superior, el sublime Adagio final, extenso e intenso:
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VI. Lo que me cuenta el Amor: un devenir atemporal en dos temas contrastantes, instrumentados en los registros agudos de los violines, que nos van convirtiendo en polvo estelar, en la impresionante lectura de F. Charles Adler 1952 con la Vienna Symphony Orchestra (vídeo Barbebleue)

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El Génesis según Mahler…

Álbumes de una vida (14): La Flauta (mágica) de Klemperer

2011-01-19T16:14:00.004+01:00

¡Ay, tengo el presentimiento
de que la dicha del amor
ha desaparecido para siempre!
¡Nunca volveréis a mi corazón,
horas de delicia!
-Pamina-
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Retomando la máxima de que el primer corte es el más profundo, sabemos que no hay nada comparable a la primera vez. Aún siendo limitada, insuficiente o atropellada, esa novedad suele dejar huella imborrable, pues tendemos a positivizar y mitificar los recuerdos trascendentes, que de una u otra forma nos van modelando. El ejemplo más representativo es el primer amor.
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Algo parecido, o similar, o igual, fue mi primera Die Zauberflöte con mi primer Klemperer. (a WA Mozart ya le conocía). Guardada como un tesoro, agradecido a los hados por estrenarme con algarabía con semejante maravilla con músculo. Tal era el hechizo, que tendía a oficiar su escucha con cierta liturgia vinílica: extrayendo con mimo el negro acetato, depositando sin respirar la aguja fonocaptora sobre el microsurco, y espaciando, por precaución, su uso, suplicando al que estuviese al mando que impidiese, como fuera, el deterioro de semejante grial. No fallaba: el ciclotímico Otto Klemperer embrujaba una y otra vez la estancia; yo juraría incluso que cada vez con más intensidad, si ello era posible.
. Requerido por Walter Legge, el mandamás de EMI, para la primera Flauta Mágica en estéreo de la compañía (1964), impuso su criterio de no registrar los recitativos de la obra, pues en su consideración no eran necesarios en ausencia de representación. Peleado con el jefe, y con la orquesta Philharmonia pendiente de disolución, extrajo el mejor sonido y la más alta musicalidad de esas sesiones. Acusado de pétreo, monolítico, pesado y lento, en este registro demuestra que sin perder nada de su poderío, clarifica el ambiente sonoro, agiliza el discurso, exhibe los detalles, y presenta en todo su esplendor esta música perfecta (Klemperer dixit). Un director genial…
. Contó además con el mejor elenco de una compañía mítica: el Nicolai Gedda más lírico y atractivo, un tenor para todo; la dulcísima Pamina de la opulenta Gundula Janowitz; el atractivo y dicharachero Papageno de Walter Berry; el insondable Sarastro de Gottlob Frick… e incluso, fíjense bien, Tres Damas de auténtico superlujo: Elisabeth Schwarzkopf, Christa Ludwig y Marga Höffgen (sic). Pero donde ya todo se sublima es en la referencial interpretación de la Reina de la Noche a cargo de la añorada Lucia Popp, en la belleza excelsa de su timbre y la claridad cristalina de su sobreagudo.
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Sirva como eficaz recuerdo e ilustración musical, única, la primera aria de la Königin, "O zitt’re nicht, mein lieber sohn!" dotada de un sobrenatural empuje en la entrada fulgurante de la orquesta, como un relámpago de amor y temor, en un crescendo a degüello, que solo podía manejar y resolver la Popp…

Wooden Ships

2011-01-12T16:27:00.002+01:00

"Si me sonríes, te entenderé.
Porque eso es algo que todo el mundo hace en el mismo idioma"
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Así comienza uno de los temas míticos de finales de los sesenta, emparedado entre el miedo al holocausto nuclear de la guerra fría, vía Vietnam, y la rebelión juvenil disfrazada de revolución de paz y amor. Una letra apocalíptica para una casi dialogada balada, y un himno… ¿Psicodelia del Terror?
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En pleno cambio sociológico, el nuevo lenguaje de la música popular supuso un vehículo especialmente atractivo para su difusión y comunión. La promiscuidad musical entre los estandartes del movimiento fue legendaria, pese a los impedimentos legales; resulta complicado poner barreras al Arte y al Amor, más aún si van de la mano.
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Los Barcos de Madera fueron construidos en los astilleros de David Crosby, Stephen Stills y Paul Kantner. Los dos primeros completaron la botadura en su formidable primer disco “Crosby, Stills & Nash” publicado en mayo de 1969. Kantner iniciaría otra singladura, con su excelente banda Jefferson Airplane (la mejor de la bahía) en su no menos maravilloso sexto álbum “Volunteers” que vio la luz en noviembre de ese mismo año.
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Hoy les propongo la escucha de ambas interpretaciones, tan diferentes y tan atractivas; las dos originales, pues la historia conoce multitud de otras…
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Por orden cronológico, la primera es la siempre delicada, elegante, de preciosas armonías vocales, versión de C, S & N a los que pronto Neil Young pondría la pimienta que necesitaban: (video de sherrylynn70)
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Ahora la lisérgica lectura de Jefferson Airplane, con sus dos cantantes al frente: Marty Balin y la siempre maravillosa Grace Slick: (video de JeffersonJukebox)
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Personalmente no quisiera renunciar a ninguna, pero por si alguien está interesado: me quedo con el ácido… y con la pregunta: who won?

Tercera de Brahms: calidez invernal

2011-01-05T15:00:00.004+01:00

La Sinfonía n.3 en fa mayor op 90 de J Brahms fue estrenada por la Filarmónica de Viena en 1883, obteniendo un gran éxito de público y crítica. Catalogada por el director del estreno, Hans Richter, como la Heroica brahmsiana, es considerada la más perfecta de sus obras sinfónicas.

Escuchemos dos movimientos en la lúcida, decidida e imprescindible versión de la orquesta Philharmonia dirigida por Otto Klemperer. (vídeos de Addiobelpassato)

El tercer movimiento Poco allegretto, que se abre en una fluida y amplia melodía de los violonchelos, es de clima sereno pero sombrío, en el cual las cuerdas semejan maderas, las trompas, al retomar el tema inicial, parecen maderas; junto con las propias maderas del viento, forman la leña que arde en el hogar; un excepcional caso en el que la energía no se transforma sino que se bifurca:

El cuarto movimiento Allegro, trufado de temas y de un heroísmo muy personal, animoso y contenido, anima a salir a pasear en trineo entre abetos blancos, en las escasas horas de sol helado, sabiendo que nos espera la lumbre, para en sus rescoldos caer en la meditación: en la siempre meditativa música de Brahms:

Historia de la Navidad

2010-12-29T08:25:00.001+01:00

Giotto - Natività (detalle)
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Abundante es la literatura musical sobre temas y textos navideños, tanto a nivel popular como culto; y grandes son las cimas alcanzadas a través de los siglos. Pero una de las obras más antiguas y hermosas sobre este hito cristiano es la Weihnachts-Historie SWV 435 de Heinrich Schütz (1585-1672)
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Compositor y organista alemán, nacido en Turingia, con sólida formación germana pero con ampliación de estudios, todo un plus, en la Venecia de principios del XVII con dos nombres señeros de la música: Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi (enseñanzas que se reflejan en sus obras corales). Schütz fue desde 1617 Maestro de Capilla de la corte de Dresde, para la cual, ya en el otoño de su vida, compuso esta obra maestra, entre 1660 y 1664, fecha del estreno de su versión definitiva.
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Su historia navideña, basada enteramente en textos evangélicos de S. Lucas y S. Mateo, se desarrolla entre una Introducción-Sinfonía y una Conclusión para coro y orquesta, que engloban ocho Intermedios para los distintos personajes que deambulan por la historia (Ángeles, Pastores, Magos, Herodes, Sumos Sacerdotes) engarzados todos por la narración del Evangelista en un estilo parlando de evidente entonación gregoriana.
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Sinfonía: para coro a cuatro voces y orquesta completa que introduce la narración de la Natividad.
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Evangelista
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Intermedio I: el Ángel (soprano) anuncia la buena nueva a los pastores, entre texturas de viola da gamba y un tempo oscilante, entre moderato y presto.
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Evangelista
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Intermedio II: un ejército de Ángeles, coro a seis con sopranos y tenores doblados, canta la Gloria de Dios:

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"Ehre sei Gott in der Höhe"

Evangelista
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Intermedio III: los pastores, dos contratenores, se dirigen a Belén con sus atributos instrumentales: flautas de pico y fagot.
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Evangelista
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Intermedio IV: pasaje de los tres Reyes Magos, tres tenores, que en un ritmo de marcha preguntan por el recién nacido (Wo ist? / Dónde está?) :
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"Wo ist der neugeborne König der Juden?"

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Evangelista

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Intermedio V: cuatro bajos personifican los Sumos Sacerdotes sacralizados por las dos partes de trombón:

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"Zu Bethlehem im judischen Lande"

Evangelista
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Intermedio VI: dignificado por las trompetas, el bajo Herodes ordena diligentemente la búsqueda del niño, con un trasfondo de profunda hipocresía, casi bufa:

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"Ziehet hin"

Evangelista
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Intermedio VII: el ángel-soprano urge a José a abandonar Israel, (Stehe auf! / Levántate!) con una línea musical ascendente
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Evangelista
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Intermedio VIII: ángel-alto, en una pieza más alegre, anuncia la muerte de Herodes y anima al regreso.

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Evangelista
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Conclusión: doble coro de agradecimiento por la venida del Mesías, en escritura veneciana, fruto del master con Gabrieli: masa coral y conjunto instrumental se responden en eco:

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"Dank sagen wir!"

Ensemble Vocale - René Jacobs

(Vídeos de ataknoT)

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¡Venturoso Año Nuevo!

Zemlinsky (VI): "DER KREIDEKREIS"

2010-12-22T14:14:00.001+01:00

Poster de Karl Domenik Geissbuehler
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Compuesta entre 1930 y 1932 El Círculo de Tiza fue la penúltima ópera de Zemlinsky, la última completa.
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El libreto de Klabund (Alfred Henschke) es un cuento chino, basado en una obra en verso de Li Xingdao (siglo XIV), obra maestra de la literatura de la dinastía Yuan, la cual inspiró también a Bertolt Brecht su Círculo de Tiza del Cáucaso.
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Una obra con final de cuento de hadas, un cuento de navidad, que sustancia potentes conflictos vitales de manera extremada: bondad/maldad, riqueza/pobreza, brutalidad/dulzura, sumisión/rebelión, amor/odio…
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Zemlinsky quiso extraer toda la magia oriental, tan en boga en esa época, de la obra literaria, enfatizando el componente tímbrico con todo su habitual y magistral lirismo cromático y su expresionismo musical más refinado (véase el delicado retrato de Haitang asociado a la flauta). Al que quiso y supo unir las modernas corrientes de sabor jazzístico que impregnaban algunas obras contemporáneas, como las de Kurt Weill o Ernst Krenek (escúchese el saxofón que abre la obra)
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La ópera se concibió abierta a la audiencia, con diálogos hablados y expresión directa, como si en un cabaret berlinés nos encontrásemos.
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Aunque llegó ser estrenada en varias ciudades alemanas (Berlín, incluido) pronto fue considerada Entartete Musik.
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Acto I: incapaz de pagar sus deudas al mandarín Ma, el padre de la bella Haitang se suicida. Al tiempo que su hermano Chang-ling se convierte en revolucionario, su madre vende como prostituta a la joven, siendo Ma quien la compra, y la convierte en su segunda esposa, pese a que el enamorado príncipe Pao intenta pujar por ella.

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Acto I: "Am ufer hinter Weiden" (Haitang)
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Acto II: Yu-Pei, la primera esposa de Ma, sabiendo que Haitang le ha dado un hijo, envenena a su esposo acusando a ésta del homicidio, y reclamando su hijo como propio.

Acto II: "Darf ich eine Frage " (Yu-Pei, Ma, Haitang)
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Acto III: Haitang es juzgada y condenada a muerte, pero la desaparición del Emperador y la ascensión del príncipe Pao al trono suspende todas las condenas. Revisado el caso por el nuevo monarca, éste decide probar a ambas mujeres. Colocado el niño dentro de un círculo de tiza se considerará que la madre será aquella que logre sacarlo hacia sí. Temerosa de lastimar a su hijo, Haitang suelta la mano del pequeño para que Yu-Pei se lo lleve. Pao proclama a Haitang como su verdadera madre al tiempo que le hace saber que él es su padre pues la día de su venta entró a escondidas en casa de Ma y pasó la noche con ella. Haitang es elevada a Emperatriz y su hijo proclamado príncipe heredero.

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Acto III: Preludio-Interludio-Escena final (Pao, Haitang)

Renate Behle, Haitang
Gertrud Ottenthal, Yu-Pei
Roland Hermann, Ma
Reiner Goldberg, Pao
Radio-Symphonie-Orchester Berlin
Stefan Soltesz
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PS: aprovecho el Cuento para desearos Amor y Música, ahora y siempre!

Álbumes de una vida (13): Hot Rats (FZ)

2010-12-16T13:23:00.001+01:00

En el año 1969 mientras algunos estiraban melodías de compasillo, el gran Frank Zappa se metía en el estudio con un novedoso, aún en pruebas, equipo de grabación de 16 pistas para alumbrar un puzzle sonoro espectacular. Un álbum bizarro, en su doble acepción; española: generoso, lúcido, espléndido, valiente; anglo-francesa: extravagante, transgresor, delirante, raro. Todo esto, y mucho más, es Hot Rats… también una cumbre del eclecticismo musical y la experimentación sonora.
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Para su segundo disco en solitario, sin The Mothers of Invention, se hizo acompañar por su mano derecha de aquella época, Ian Underwood, un multiinstrumentista de sólida formación (piano, órgano, saxos, clarinetes) contando además con la colaboración de renombrados músicos de sesión para la sección rítmica y el violín eléctrico; y la aparición de su buen amigo Don van Vliet (Captain Beefheart) para poner voz a un escaso texto en un único tema. A lo que hay que añadir la explosión como gran guitarrista de FZ con su fulgurante Gibson Les Paul Goldtop, quien sin un portentoso virtuosismo instala una sonoridad apabullante, casi polifónica. Para rematar la faena, un caratulista de primera clase: Cal Schenkel fotografiando en tonos psicodélicos a Miss Christine (integrante del grupo GTO’s, a la sazón novia del todavía activo Alice Cooper)
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El resultado fue una obra instrumental adelantada a su tiempo, donde tienen cabida líneas pianísticas jazzísticas, improvisaciones de saxo ácido, complicadas tramas de teclados, guitarras desatadas del más puro rock sesentero, bases rítmicas balanceándose entre el blues y el funk, incendios sonoros de la mejor fusión, arreglos de viento a lo big band, … todo pasado por el personal e inconfundible sello psicodélico e iconoclasta de Zappa, su complejidad y sofisticación; y por una riqueza sonora, a lo wall of sound, de texturas y colores superlativos.
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Al grano:
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Peaches en Regalia: tras el redoble inicial, y sobre una base de teclados, aparece una melodía muy simple, casi infantil, que se va rellenando con texturas de sonidos diversos, auténtica inflación, que van ampliando el paisaje sonoro con colores evanescentes. Un clásico indefinible… (MrMLD72MLD)
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Willie the Pimp: un ritmo ostinato decididamente funk, también para el violín solista y la voz, que conduce a un imposible solo de guitarra, intenso y demoledor, incontinente, doblando notas, derivando hacia su lado más blues, que nos lleva sin aliento hacia un clímax excéntrico.
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Son of Mr Green Genes: comienza en la melodía de clarinete y saxo para dar paso a la guitarra en un cambio de ritmo que intensifica la atmósfera, con incursiones del saxo tenor, para redondear la tormenta sonora perfecta en el vértigo de la guitarra y la base rítmica, hasta dejarnos exhaustos de exuberancia. (vinzer72frie)

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Little Umbrellas: la calma tras la tormenta, un walking bass para una progresión claramente jazzística entre metales y maderas, relajada y cool. Dame más… (RakyMaky)
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The Gumbo Variations: una extensiva jam session para saxo desaforado, violín incendiario y guitarra ardiente que explota en una anarquía sonora, alma mater del arte zappiano.
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It must be a Camel: un tema muy experimental, basado en atmósferas y texturas de saxo, piano, violín, comprometidamente relajante y creativo. Un espejismo sonoro alucinante.
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¿¿¿Blues, Funk, Hard-Rock, Pop, Jazz-Rock, Psicodelia, Cool, Expresionismo, Rumba Catalana ???
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- Alucino, maestro ¿qué es todo esto?
- ¡Es la Música, imbécil!

Inusual Concierto

2010-12-09T15:56:00.003+01:00

Inusual resulta recibir en una pequeña ciudad, alejada de cualquier circuito o festival, a un artista de primera fila en plena expansión, como es el joven pianista británico Paul Lewis.
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Inusual es acoger, aún sin algunos de sus primeros atriles, a la Sinfónica de Galicia haciendo honor a su apellido.
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Inusual es que dicha orquesta haya venido acompañada de su director titular: Victor Pablo Pérez, en traje de faena.
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Inusual se ha convertido encontrar en un programa tres Conciertos para Piano y Orquesta de Ludwig van Beethoven: Segundo, Tercero y Cuarto.
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Inusual el gratis total, previa reserva de invitación, que se convirtió en un puertas abiertas en el Auditorio municipal.
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Usual la asistencia: medio aforo (siendo generosos)
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Paul Lewis es un pianista muy personal, cuya carrera en ascenso se fundamenta en Beethoven (y en Schubert). Su integral de Sonatas recorrió medio mundo, y acaba de publicar sus cinco Conciertos para piano con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de J. Belohlavek.
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Dueño de un sonido delicado, sus lecturas se decantan hacia el lirismo, la introspección, la poesía transparente, dejando señas de un virtuosismo amable, delicado, humano, veraz. Su aproximación estilística a Beethoven deriva claramente hacia el eje de la dulzura en detrimento del otro eje cartesiano de la música del genio de Bonn: la violencia. Tal vez ese sesgo deviene su personal aportación…
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La orquesta, pese a la ausencia de su primer concertino, mantuvo la belleza de su sonido, basada esta vez en el empaste de sus cuerdas, si bien adoptando un discreto plano secundario siempre dialogante y arropador. VPP, contenido y dúctil, no digo más…
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Primera parte:
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Concierto para piano n.2 en si bemol mayor op19: interpretación relajada, a modo de introducción, para una obra menor del catálogo de un Beethoven de pequeña orquesta, en la cual destaca el fluido y elocuente Adagio.
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Concierto para piano n.4 en sol mayor op58: obra de alturas sinfónicas pertenecientes al gran Beethoven, cuyo monumental primer movimiento -Allegro moderato- resultó un prodigio de dinámica, elegancia y refinamiento.
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Segunda parte:
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Concierto para piano n.3 en do menor op37: bellísima lectura, siempre recogida, pura y delicada de esta partitura de aromas mozartianos, en cuyo Largo, fervoroso, casi un nocturno, se hizo carne (sonido) la magia de su mecánica digital.
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De los Proms de este mismo año: Paul Lewis interpreta dicho segundo movimiento, o cómo convertir el piano en arpa: (vídeo de JCThompsonMA)
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Inusual Belleza… casi una caricia.

Woman 8/12/1980

2010-12-08T13:19:00.007+01:00

Excéntricos (?)

2010-12-02T16:00:00.001+01:00

carámbano -broken haiku- flickr CC

Escribir con una espada
Acariciar sin tener manos.
Encontrar pedazos de luna en los bolsillos.
Comprar una playa con gritos.
Ir al infierno a ver un amigo.
Enviar una mano a su amada.
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-Carlos Edmundo de Ory- (1923-2010)
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Excéntrico: dícese del carácter extravagante.
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Extravagante: que se hace o dice fuera del orden o común modo de obrar. Raro, extraño, desacostumbrado, excesivamente peculiar u original.
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Pienso que no hay mes más raro, extraño, peculiar y original que el de diciembre: con sus luces, su gula, sus festivos y su felicidad a fecha fija, todo envuelto en blanco. Mes ideal para mencionar a Erik Satie (1866-1925): músico inclasificable, coqueteador con todas las vanguardias, siempre independiente. Como diciembres son sus Gnossiennes impares: unas piezas esenciales. Carámbanos suspendidos de una conífera, cuyas gotas de agua percutieran obstinadamente, al caer, sedosas cuerdas azarosas.

retrato de Erik Satie -Suzanne Valadon-

Un juego frío, cristalino, candente como hielo: la mejor molécula en su estado más puro. Filos de espejos que cortan como amenazas… música digital, modernamente suspendida de la nada, cuya infinitud concreta la mano izquierda marcando la cadencia del goteo…
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Aldo Ciccolini, piano

para Anderea ...